Gene Tierney: una vida marcada por el éxito y la tragedia

De una enigmática belleza y un talento infravalorado, Gene Tierney tuvo una vida marcada por el éxito y por la tragedia. Ella fue una figura recurrente de las películas de cine negro como The Shanghai Gesture (1941), Laura (1944), Leave Her to Heaven (1945), Whirlpool (1949), Night and the City (1950) y Where the Sidewalk Ends (1950) y podría seguir enumerando y citando más títulos de su filmografía. Ella no trascendía la pantalla sólo por su belleza sino también por su profundidad, vulnerabilidad y un halo estelar que lograba que el espectador no desviara su mirada de ella. Pero así como podía encarnar diversos roles en sus películas, en su vida personal experimentó el sabor del triunfo y la tragedia a una corta edad: el drama de su pequeña hija, su enfermedad, sus romances, la relación con su padre y sus demonios internos la llevaron al límite. Ella solía decir "No tengo problemas en encarnar un rol. Mis problemas empiezan cuando tengo que ser yo misma". Aún así a pesar de los golpes que la vida le dio, supo reponerse y dejarnos un mensaje que inspira la fortaleza y las agallas de encarar la vida incluso cuando parece que no nos podremos reponer de sus golpes. Hoy Gene cumpliría 98 años, ya no está más con nosotros, pero siempre tendremos sus películas y su experiencia de vida como legado. 

 

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Noirviembre: ¡Que empiece la maratón de Cine Negro!

Empieza noviembre y es una buena excusa para empezar una maratón de Cine Negro: empieza Noirviembre. A continuación habrá una lista de películas del género Noir con la idea no de rankear por su cualidad sino simplemente de compartir algunos films que considero esenciales para quienes se estén adentrando a este género. 

Día 1: Double Indemnity (1944)

Barbara Standwyck, Fred MacMurray y Edward G. Robinson son parte de una historia con condimentos que van desde la causalidad, el destino, el inminente fatalismo, la traición y la desconfianza.

 

Día 2: Out of the Past (1947)

Robert Mitchum Y Jane Greer están inmersos en un laberinto de trampas y engaños que los lleva a un inminente destino difícil de esquivar. Un film que sin dudas es un clásico del cine negro. 

Día 3: Mildred Pierce (1945)

Un film que contrasta el mundo de Mildred (Joan Crawford) de día en su exitosa vida en su restaurant y de noche con los problemas que conlleva su vida amorosa y la crianza de una hija malcriada.

 Día 4: The Postman Always Rings Twice (1946)

Sospechas, engaños y un destino difícil de evitar son una vez más condimentos de una película clásica de este género. Basada en la novela homónima de John Garfield, este film nos muestra una de las mejores performances de una femme fatale de la mano de Lana Turner.

Día 5: M (1931)

No es un film negro en su más pura esencia pero sí pertenece al denominado proto-noir. Es importante destacar el movimiento expresionista alemán, en el cual se destacan directores como Fritz Lang, F.W. Murnau y Von Sternberg, ya que dio pié a lo que luego vamos a conocer como film noir. Esta película es la última que Lang filma en Alemania antes de huir a causa de la guerra y nos muestra como personaje principal a un actor que más tarde triunfaría en el cine estadounidense: Peter Lorre.

 

Día 6: The Woman in the Window (1944)

Como ya adelanté en el día 5, Fritz Lang fue unos de los directores más importantes de este género. En este caso con The Woman in the Window, Lang nos muestra a través del pensamiento freudiano como funciona la mente de un criminal. También se destaca el fantástico dúo que componen Joan Bennett y Edward G. Robinson y la forma inteligente que tuvo el director alemán para no violar el Código Hay. Por cierto, también se recomienda ver Scarlett Street (por muchos es considerado el film mellizo) dirigida por el mismo director y que reune a gran parte de este elenco.

Día 7: The Asphalt Jungle (1950)

Este es un film que contrasta el sueño idílico del personaje principal en la vida rural con su oscura realidad en la vida urbana. Esta película además nos muestra a una joven Marilyn Monroe que estaba dando sus primeros pasos en Hollywood.

Día 8:  Pickup On South Street (1950)

Este film nos muestra perfectamente la paranoia en la que EEUU vivía durante la era Macartista. Esta es una película violenta y brutal que estuvo al borde la censura por parte del código Hay. 

 

Día 9: The Lady from Shanghai (1948)

Orson Welles no sólo llamó a su ex mujer Rita Hayworth para protagonizar este film sino también le hizo teñir el cabello de rubio para dicho rol. Al márgen de estas notas de color, el film nos muestra un guión laberíntico con una de las escenas más icónicas del cine negro.

 Día 10: Murder, my Sweet (1944)

Basado en la novela de Raymond Chandler (un autor al cual recomiendo leer si están interesados en este género) Farewell, My Lady, esta película nos trae diálogos sagaces y una gran actuación de Dick Powell, pionero en la interpretación del famoso detective Philip Marlowe.

 
Día 11: Leave her to Heaven (1945)

¿Una película de cine negro en color? ¿Filmada en el ámbito rural? ¿Y a plena luz del día? Suena extraño, pero cuando vean como actúa Gene Tierney bajo el dominio de sus celos verán a qué nivel de maldad puede llegar una verdadera femme fatale. 

Día 12: The Killers (1946)

Basada en la historia homónima escrita por Ernest Hemingway, The Killers nos trae al dúo compuesto por Burt Lancaster y Ava Gardner. Nuevamente aparece el engaño, la desconfianza y un pasado que vuelve en forma de un destino difícil de escapar.

Día 13: This Gun for Hire (1942)

Sin dudas uno de mis dúos favoritos del cine negro: Alan Ladd y Veronica Lake. Detrás de escenas eran tímidos pero la química de estos dos actores explotaba cuando la cámara estaba encendida. En caso de que tengan ganas de ver un poco más de esta icónica pareja, les recomiendo ver The Glass Key, The Blue Dahlia y Saigon.

 Día 14: Rififi (1955)

Suspenso y brutalidad en una de las películas consideradas como una obra cumbre del cine negro europeo. Si con M mencioné la importancia del expresionismo alemán, la corriente francesa sin duda que también fue muy importante para el desarrollo de este género.

  Día 15: Detour (1945)

Que una película sea de clase B muchas veces es sólo por un tema de presupuesto y no de su calidad. Ese es el caso de Detour, un film que fue filmado en sólo seis días y cuya reputación fue creciendo con el paso del tiempo.

Día 16: Gilda (1946)

El odio y el engaño se hacen una vez más presentes en un film que nos trae una de las escenas más icónicas de Rita Hayworth. No adelantaré mucho más, la belleza y el talento de Rita hablan por sí solos.

Día 17:  The Big Heat (1953)

Una vez más Fritz Lang nos trae una historia brutal y violenta que nos muestra la lucha de un policía en un ámbito corrupto que sobrepasa los límites.  A través de Bannion nos vamos a involucrar en lo más oscuro de la vida nocturna en la ciudad.

 
Día 18: The Killing (1956)


Narrada en una forma poco usual, Stanley Kubrik nos presenta una serie de personajes que tiene un destino en común: robar el dinero del hipódromo. Este estilo de narración sería de gran influencia en directores como Quentin Tarantino, como por ejemplo en su film Reservoir Dogs.

Día 19: Sweet Smell of Success (1957)

El dueño de uno de los diarios más importantes de la ciudad es capaz de hacer cualquier cosa para alejar a su hija de su relación con el jazzista Steve Dallas. Esta película nos muestra el cinismo en su máxima expresión y la miseria de los personajes principales que por una razón u otra actúan sin importarles quien está al frente.

Día 20: Gun Crazy (1950)

Él, obsesionado por las armas. Ella, una hábil pistolera. El destino junta a estos dos personajes que se involucrarán poco a poco en el mundo del crímen. Un film que pasó desapercibido en su momento pero que se reivindicó con el paso del tiempo.

Día 21: Sunset Boulevard (1950)


Que sí, que no, algunos críticos ponen en duda si este film pertenece a este género. Lo cierto es que uno no puede permitirse perderse de esta película que nos muestra la vida de una estrella del cine mudo que quiere volver a saborear el éxito. Norma Desmond...Recuerden ese nombre.

Día 22: The Maltese Falcon (1941)

Una de las primeras películas que vi de este género y una de las primeras que vi de Bogie. Este film marcó el camino a la popularidad del film noir norteamericano de la mano de John Huston y de un gran elenco compuesto por Humphrey Bogart, Mary Astor, Edward G. Robinson, Peter Lorre y Sydney Greenstreet.

Día 23: In a Lonely Place (1950)

Bogie es uno de las caras más recurrentes del cine negro norteamericano y esta vez compone a un personaje conflictivo dominado por los celos y una personalidad temperamental. Estas características poco a poco lo pondrán en el foco de la sospecha no sólo por parte de los personajes del film sino también por parte nuestra como espectadores.

Día 24: Night of the Hunter (1955)


Robert Mitchum encarna a un cura asesino que llega a un pequeño pueblo y poco a poco se involucra y se gana la confianza de sus habitantes. Una película que nos brinda grandes escenas con influencias del expresionismo alemán y cuya reputación, como tantas otras, fue creciendo con el paso del tiempo. 

Día 25: Key Largo (1948)

John Huston, Edward G. Robinson y Humphrey Bogart vuelven a la escena nuevamente con este famoso título. Pero esta vez Bogie no está solo sino que compone uno de los más icónicos dúos de Hollywood junto a Lauren Bacall (con quien filmó tres títulos más y los cuales recomiendo ver).

Día 26: The Third Man (1949)


Una de las películas que más disfruté no tanto por su argumento sino por la estética (el uso de las sombras y las extrañas tomas inclinadas). Ambientada en la Viena de la posguerra, Orson Welles nos cuenta la historia de una misteriosa muerte y cuyo protagonista principal intentará develar. Por cierto, su soundtrack también es imperdible.

Día 27:Laura (1944)

Una extraña muerte, sospechas, despecho y la enigmática belleza de Gene Tierney nos trae una de las películas más icónicas de este género. Por cierto, imperdible la actuacion de Clifton Webb.

Día 28: Kiss Me, Deadly (1955)


Así como se mencionaba la particularidad de Pickup On South Street (1950) en cuanto a su relación con el contexto de la época, este film no va a ser diferente. La brutalidad, la violencia y el misterio nos atrapa en una película cuyos personajes no podrán evadir la paranoia de la sociedad norteamericana en los 50s: el miedo a una guerra nuclear. Sin dudas, uno de mis películas preferidas que más me impactó de este género.

 
Día 29: The Big Sleep (1946)

Raymond Chandler nos trae lo que es sin dudas una de las historias más importantes del género. Humphrey Bogart y Lauren Bacall vuelven a la escena para adentrarnos a un film laberíntico y confuso lleno de intriga, sospechas, corrupción y misterio.

Día 30: Touch of Evil (1958)

Finalmente llegó la última película de la maratón. Este film dirigido por Orson Welles tiene particularidades muy interesantes: cuenta la historia que el director británico fue despedido en pleno proceso de producción y el film salió a la luz con muchas ediciones que fastidiaron a Welles (pueden leer más en detalle en este post). Afortunadamente cuarenta años más tarde se encontraron los bocetos de Welles y gracias a un gran trabajo de edición se pudo recrear la idea original. Esta obra no sólo es la última de esta larga lista sino también una de los últimas que marca el fin del esplendor del Cine Negro. 

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Aimee Mann: componiendo con tinta invisible lo visible

Si hay un disco que no me iba a perdonar no dedicarle unas líneas es Lost in Space de Aimee Mann. Un álbum en el cual Mann explota su talento a su máximo potencial con once temas en plan acústico con una voz éterea que nos hace flotar en letras que aquejan temáticas terrenales. Temas que parecen simples pero que poseen una arquitectura diseñada al más mínimo detalle: desde la sutileza de los teclados a los arreglos de cuerdas.Invisible Ink y This is How it Goes nos muestra a la compositora estadounidense fragil y vulnerable fraseando con su acústica antes de explotar con una orquesta a tono con su más fina expresión musical. En definitiva, Lost in Space es un disco para perderse en la soledad de la noche (o de la ruta) cuando ya la rutina parece llegar a su final.

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Touch of Evil: profanando al genio detrás de las cámaras

Touch of Evil no sólo simboliza el fin de la etapa dorada del género film noir sino también la difícil relación de Orson Welles con la industria cinematográfica. La historia cuenta que Welles fue despedido en proceso de post-producción y los productores de Universal tomaron la decisión de re-editar la película no sólo cambiando detalles sino también rodando escenas extras que rompían totalmente con la idea original del director. Cuando Welles se enteró de dicho montaje, decidió enviar a Universal un memo de 58 páginas que contenía sus indicaciones y cambios que debían realizar antes de que salga a la luz. Sin embargo ya era demasiado tarde porque los productores ignoraron a Welles y estrenaron el film con resultados negativos.

Cuarenta años más tarde, Walter Murch re-editó la película siguiendo las anotaciones de Welles (cuyo memo se creía perdido pero Charlton Heston guardaba copia) al pie de la letra y publicó una edición del film que por fin haría justicia a una de las obras maestras del director británico. Para finalizar, les comparto un video en el cual se pueden apreciar las tomas de la versión editada por Universal Studios comparadas con la version original de Welles.

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Postmodern Jukebox: el pop de hoy con el sonido de ayer

Siempre fui un fan de escuchar un tema en distinas versiones. Generalmente eso me ocurre cuando me obsesiono con una banda y, luego de haber repasado toda su discografía, empiezo a buscar versiones en vivo, demos y covers. No recuerdo cúal fue el puntapié inicial, pero el año pasado seguramente en la búsqueda de alguna versión alternativa de alguna canción, terminé encontrando Postmodern Jukebox. Este proyecto tiene como misión reversionar temas pop en distintos géneros vintage que van desde el jazz o el swing de los años 40s, al R&B de los años 50s o el gospel. El proyecto liderado por el pianista jazzero Scott Bradlee cuenta con una gran infinidad de videos y se encuentra realizando gira por diferentes países. Sin más, les dejo algunas de las joyas que pueden encontrar en su canal de YouTube:

 

 

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El blog en tiempos de crisis

Cuando decidí volver a la actividad en este blog, uno de los primeros en contactarse fue un amigo de la casa quien ha aparecido en este espacio en más de una ocasión. El motivo, claro, fue compartir su material pero la charla bordeó una temática inevitable que nos afecta a una gran mayoría: la coyuntura local. En criollo, la crisis. Le contaba sobre la cantidad de páginas web (algunas aliadas en su momento, con quienes nos compartíamos data de bandas y recitales) que ya no existen más por una razón u otra. Este músico amigo me comentaba que era difícil encontrar sitios para difusión y que "como muchos medios son a pulmón y estamos prendidos fuego se complica más". Esta dificultad se está viendo no sólo en los músicos, en los sitios de difusión independiente sino también en los lugares para salir a mostrar su arte, en el ánimo del público y en quienes quieren seguir empujando en la escena artística local. Hace un par de años era muy común que lleguen mails de estudiantes de periodismo o periodistas en ejercicio para colaborar en la página sin recibir nada a cambio ya que lo hacían ya sea por amor al arte o poner en práctica su vocación. Pero la debacle se fue agudizando de a poco. Por cuestiones personales ya no pude publicar con tanta  regularidad, las bandas muchas fueron desapareciendo, quienes colaboraban ya no tenían ni el tiempo ni el ánimo para escribir por placer...Un círculo vicioso y angustiante que parece no detenerse. No quiero profesar un falso positivismo o un fatalismo trágico, pero me veía con la necesidad de poner en palabras cómo veo la realidad. Es cierto también que se resiste, que se intenta no dar el brazo a torcer, que la escena independiente se ve afectada pero no por nada está muerta y que el arte es ese refugio que no podemos dejar que nos expropien. Desde este lado, sólo queda resistir...

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Sobre conocer al amor y una banda: Savoir Adore, synthpop neoyorkino

Hace varios años ya que estoy descubriendo bandas o OST gracias a los videojuegos. Desde los más artísticos como LIS, Kona, Tomb Raider, Firewatch y The Last of Us hasta los más simples como PES. Hace unos meses atrás volví a desenpolvar la PS2 y puse el PES 2013 para quemar un poco el rato. De fondo, la lista de temas del menú se repetía en un loop permanente hasta que al llegar un par de horas de juego me encontré tarareando una canción en especial: se trataba de Dreamers. Rastreé un poco más para conocer el intérprete y me encontré con Savoir Adore, banda oriunda de NY. Poco a poco me fui sumergiendo en el material de este grupo y poco a poco también me fui enamorando de sus temas. Dicen que su nombre significa "conocer el amor" y realmente creo que no están equivocados porque su música transmite eso y mucho más. Regalia, Empire of Light, Loveliest Creature, Sarah's Secret, The Scientific Findings of Dr. Rousseau...¡Hace cuánto tiempo no me pasaba de engancharme de una manera tan fuerte! Pero algo me llamaba la atención, no encontraba material actualizado ¿Qué habrá pasado? ¿Se separaron? Busqué en sus redes sociales y para mi sorpresa, si bien la banda había sufrido cambios, ellos estaban preparando nuevo material para sacar a la luz a la semana siguiente: When The Summer Ends. Eso sí, la voz femenina ya no está a cargo de Deidre Muro (quien por cierto tiene su proyecto personal llamado Deidre and The Dark) sino Lauren Zettler. Aún así, a pesar de los cambios, la banda sigue con su esencia synthpop y, a través de su dúo vocal, nos sigue transmitiendo su más puro germen pop. Sin más, comparto un setlist con todo el material de esta banda: 

 

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Kurt Cobain, una guitarra acústica y Johnny Cash: lo que fue y lo que pudo ser

Una vez un amigo me dijo que Nirvana es una etapa inevitable por la que uno debe pasar. En ese entonces los dos tendríamos 18 años y del fanatismo fuerte por la banda de Kurt Cobain quedaban apenas rastros. Pero uno siempre vuelve ahí. Me pasó hace tres años y me paso nuevamente ahora. De querer volver escuchar Live At Reading, In Utero, Bleach, el MTV Unplugged, The Best of the Box...Precisamente en estos dos últimos discos  me detendré. Volver a escuchar la voz de Kurt en formato acústico me volvió a hacer pensar en muchas cosas, quizás en lo que él podría haber sido hoy si no hubiese ocurrido aquella tragedia en 1994. Pensaba "Cobain podría haber sido el sucesor de Johnny Cash". Él, casi en forma introspectiva, íntima y vulnerable, sacó su mejor repertorio en el MTV e hizo honor a otras canciones que no eran de su autoría como The Man Who Sold The World, Oh Me, Lake Of Fire, Jesus Doesn't Want Me For A Sunbeam, Plateau y la desgarradora versión de Where Did You Sleep Last Night. Era increíble cómo Kurt podía apropiarse de un tema y darle toda su impronta, al mejor estilo Cash. Luego pasé a escuchar los demos acústicos de About a Girl, All Apologies, Sliver, You Know You're Right, Rape Me y Serve The Servants del disco The Best of the Box. Otra vez en su intimidad, solo, expresando sus angustias y miedos de la forma más visceral posible. Sin dudas, que no me era imposible imaginarlo ahora como el Johnny Cash del nuevo siglo, con un talento no sólo en la composición sino también en la interpretación. En fin, en lo que fue y lo que pudo ser...

Curiosamente Kurt en una entrevista expresó sus deseos de empezar a tocar más con su acústica y de querer ser visto más como un cantante y compositor que un grunge rocker ya que de esa forma esto le daría las herramientas para cuando él sea viejo y esté sentado en una silla con una guitarra como Johnny Cash.

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De un recuerdo cotidiano al análisis maduro de un disco: Devorador de Corazones (La Portuaria)

Hay discos o canciones que evocan un momento, un sentimiento, una persona, un  lugar...Hay veces que esos recuerdos pueden quedar marcados en nuestra mente por la trascendencia y lo determinante que puede ser en lo que somos. Pero también un disco o una canción puede quedar en nuestro pensamiento por un acontecimiento banal y desapercibido que no logra trascendencia hasta después de un largo tiempo. Eso me sucede con La Portuaria, una banda que me evoca momentos de cotidianeidad en aquellos momentos de pre-adolescencia del lejano 2003. Me lleva a aquellas tardes en la casa de un viejo amigo en las que pasábamos el rato entre juegos de mesa y música de fondo. Ajena, claro. Quien musicalizaba las tardes eran sus hermanas mayores, y entre los temas que siempre se repetían estaban Selva, 100000 Km, El Bar de la Calle Rodney, Nada es Igual y Devorador de Corazones. Era tal la repetición que en cuestión de tiempo ya me sabía todas las letras sin saber quién las interpretaba, claro.

Tiempo después me volví a encontrar con esta banda pero desde otra perspectiva, quizás desde un análisis más profundo. Ese encuentro fue en el libro Antología del Rock Argentino de Maitena Aboitiz. Allí no sólo me  encontré con el nombre de la banda sino también con el genio detrás de la canción: Diego Frenkel. El músico explicaba el orígen de la letra Nada es Igual: "Me sentía un poco solo, herido de amor, separado de una chica". Precisamente de ese mal momento surgió su frase "Diego, hace amigo del dolor", a partir de algo que le dijo una amiga en una de esas noches de tristeza. El artista cuenta también que también la letra refleja un poco su vida a los 27 años, entre el budismo, el existencialismo, los amigos y las angustias: "Por ejemplo la frase "Tenía frío en las noches de calor, que hace tiempo creía que era imposible estar bien en soledad, que la cama fría en la noche tibia un día lo iba a matar" ¡Me estaba hablando a mí mismo!". Ya desde un   lugar más maduro y desde otra experiencia empecé a ahondar en la obra de Frenkel y a valorarla desde otro punto de vista. Devorador de Corazones empezó a formar parte de mi catálogo de discos preferidos ya no porque me puede evocar un momento allá en 2003 sino también por su calidad artística. Sin más, les comparto el álbum para que lo puedan disfrutar:

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Veronica Lake: el peinado en tiempos de guerra

Veronica Lake fue una de las actrices más icónicas de los años 40s no sólo por sus papeles de femme fatale y ser el complemento perfecto para Alan Ladd (en películas como Saigon, The Blue Dahlia, The Glass Key y This Gun for Hire) sino también por su peinado. En su mejor momento de popularidad, el famoso peek-a-boo style de Lake repercutió tanto en la sociedad que incluso el gobierno de EEUU tuvo que pedirle que por favor aconseje a las muchachas jóvenes americanas a no imitar dicho estilo ¿Cómo? Cuando EEUU ingresó a la guerra la mujer sin dudas que tuvo un papel importante y uno de los lugares en el que tomaron la posta fue la fábrica.¿Cómo se relaciona este acontecimiento con Lake? Pues resulta que su peinado podía llegar a provocar problemas a las chicas a la hora de realizar los trabajos fabriles tales como por ejemplo que su cabello se pudiese atascar en alguna de las máquinas. A continuación les comparto el documento de la época en el que Veronica recomienda una nueva alternativa a su peinado:

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Hana, la música a través de la banda ancha: Fetiche (2006)

Quizás la nostalgia me hace volver a escribir para este (casi) extinto blog. Lo cierto es que aquí me encuentro una vez más haciendo la reseña de un disco que creía casi olvidado y perdido en algún lugar recóndito de mi mente. No es una obra maestra, no es un artista renombrado pero sin dudas que este álbum formó parte de mi adolescencia allá por el lejano 2006. Un año en el que disfrutaba del pop Babasónico con Anoche (2005) y el britpop made in Temperley de Juana la Loca con Casablanca (2005). En el medio de ellos dos había lugar para Fetiche (2006) de Hana (Florencia Ciliberti). Quizás lo curioso fue cómo encontré su material: una canción de una publicidad se me había pegado y yo no iba a parar hasta no encontrar su intérprete:

La letra, claro, modificada para la ocasión. Pero la melodía era contagiosa, hipnótica, pegadiza...En fin el gérmen pop se había introducido en mi cabeza. Cuando pude bien develar la incógnita me metí de lleno en el disco que contenía este tema (Parque de diversiones) y sin dudas entró en mi lista de reproducción. Fetiche, tal como se tituló este álbum, contiene once temas con letras sintéticas que encajan perfectamente con el sonido pop de Hana. Por momentos con frases a modo de destino manifiesto como "resisto por la creación" (Fantasía), "me gusta ser puntual jamás llevo reloj" (No tengo idea) o "pinto mi mejor canción canto mi mejor color" (Egoísta) en referencia a sus dos pasiones la música y la pintura. Pero también hay lugar para las letras de amor (Mucho más, Parque de diversiones, Fóbicos) y a lo surrealista (¿o bizarro?) como Sachasandia.

 

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