Variety Hour, lo nuevo de Deidre Muro

Hace unas semanas Deidre Muro lanzó su nuevo disco solista Variety Hour y desde entonces he pensado en dedicarle unas líneas a este refrescante material. Ya desde hace un tiempo vengo siguiendo su trayectoria y noto que en su búsqueda artística poco a poco va encontrando su sonido, es decir, su identidad. Es que quizás sea eso, Deidre con su voz tiene una versatilidad que puede ir desde el pop vintage (One Night; Are You Gonna), pasando por el soul (Back in Time; Unerasable Love) y la psicodelia (Which Way; Tell Me). Un disco que va pasando por diversos matices pero siempre con ese groove que solo la voz de Deidre puede tener. Como bien describe Atwood Magazine, ella hace lo que quiere, cuando quiere y cómo quiere. Es esa libertad artística precisamente la que la lleva a experimentar a través de distintos géneros y épocas. Sin más, les comparto el álbum para que lo disfruten:

 

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Aimee Mann: componiendo con tinta invisible lo visible

Si hay un disco que no me iba a perdonar no dedicarle unas líneas es Lost in Space de Aimee Mann. Un álbum en el cual Mann explota su talento a su máximo potencial con once temas en plan acústico con una voz éterea que nos hace flotar en letras que aquejan temáticas terrenales. Temas que parecen simples pero que poseen una arquitectura diseñada al más mínimo detalle: desde la sutileza de los teclados a los arreglos de cuerdas.Invisible Ink y This is How it Goes nos muestra a la compositora estadounidense fragil y vulnerable fraseando con su acústica antes de explotar con una orquesta a tono con su más fina expresión musical. En definitiva, Lost in Space es un disco para perderse en la soledad de la noche (o de la ruta) cuando ya la rutina parece llegar a su final.

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Postmodern Jukebox: el pop de hoy con el sonido de ayer

Siempre fui un fan de escuchar un tema en distinas versiones. Generalmente eso me ocurre cuando me obsesiono con una banda y, luego de haber repasado toda su discografía, empiezo a buscar versiones en vivo, demos y covers. No recuerdo cúal fue el puntapié inicial, pero el año pasado seguramente en la búsqueda de alguna versión alternativa de alguna canción, terminé encontrando Postmodern Jukebox. Este proyecto tiene como misión reversionar temas pop en distintos géneros vintage que van desde el jazz o el swing de los años 40s, al R&B de los años 50s o el gospel. El proyecto liderado por el pianista jazzero Scott Bradlee cuenta con una gran infinidad de videos y se encuentra realizando gira por diferentes países. Sin más, les dejo algunas de las joyas que pueden encontrar en su canal de YouTube:

 

 

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Sobre conocer al amor y una banda: Savoir Adore, synthpop neoyorkino

Hace varios años ya que estoy descubriendo bandas o OST gracias a los videojuegos. Desde los más artísticos como LIS, Kona, Tomb Raider, Firewatch y The Last of Us hasta los más simples como PES. Hace unos meses atrás volví a desenpolvar la PS2 y puse el PES 2013 para quemar un poco el rato. De fondo, la lista de temas del menú se repetía en un loop permanente hasta que al llegar un par de horas de juego me encontré tarareando una canción en especial: se trataba de Dreamers. Rastreé un poco más para conocer el intérprete y me encontré con Savoir Adore, banda oriunda de NY. Poco a poco me fui sumergiendo en el material de este grupo y poco a poco también me fui enamorando de sus temas. Dicen que su nombre significa "conocer el amor" y realmente creo que no están equivocados porque su música transmite eso y mucho más. Regalia, Empire of Light, Loveliest Creature, Sarah's Secret, The Scientific Findings of Dr. Rousseau...¡Hace cuánto tiempo no me pasaba de engancharme de una manera tan fuerte! Pero algo me llamaba la atención, no encontraba material actualizado ¿Qué habrá pasado? ¿Se separaron? Busqué en sus redes sociales y para mi sorpresa, si bien la banda había sufrido cambios, ellos estaban preparando nuevo material para sacar a la luz a la semana siguiente: When The Summer Ends. Eso sí, la voz femenina ya no está a cargo de Deidre Muro (quien por cierto tiene su proyecto personal llamado Deidre and The Dark) sino Lauren Zettler. Aún así, a pesar de los cambios, la banda sigue con su esencia synthpop y, a través de su dúo vocal, nos sigue transmitiendo su más puro germen pop. Sin más, comparto un setlist con todo el material de esta banda: 

 

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De un recuerdo cotidiano al análisis maduro de un disco: Devorador de Corazones (La Portuaria)

Hay discos o canciones que evocan un momento, un sentimiento, una persona, un  lugar...Hay veces que esos recuerdos pueden quedar marcados en nuestra mente por la trascendencia y lo determinante que puede ser en lo que somos. Pero también un disco o una canción puede quedar en nuestro pensamiento por un acontecimiento banal y desapercibido que no logra trascendencia hasta después de un largo tiempo. Eso me sucede con La Portuaria, una banda que me evoca momentos de cotidianeidad en aquellos momentos de pre-adolescencia del lejano 2003. Me lleva a aquellas tardes en la casa de un viejo amigo en las que pasábamos el rato entre juegos de mesa y música de fondo. Ajena, claro. Quien musicalizaba las tardes eran sus hermanas mayores, y entre los temas que siempre se repetían estaban Selva, 100000 Km, El Bar de la Calle Rodney, Nada es Igual y Devorador de Corazones. Era tal la repetición que en cuestión de tiempo ya me sabía todas las letras sin saber quién las interpretaba, claro.

Tiempo después me volví a encontrar con esta banda pero desde otra perspectiva, quizás desde un análisis más profundo. Ese encuentro fue en el libro Antología del Rock Argentino de Maitena Aboitiz. Allí no sólo me  encontré con el nombre de la banda sino también con el genio detrás de la canción: Diego Frenkel. El músico explicaba el orígen de la letra Nada es Igual: "Me sentía un poco solo, herido de amor, separado de una chica". Precisamente de ese mal momento surgió su frase "Diego, hace amigo del dolor", a partir de algo que le dijo una amiga en una de esas noches de tristeza. El artista cuenta también que también la letra refleja un poco su vida a los 27 años, entre el budismo, el existencialismo, los amigos y las angustias: "Por ejemplo la frase "Tenía frío en las noches de calor, que hace tiempo creía que era imposible estar bien en soledad, que la cama fría en la noche tibia un día lo iba a matar" ¡Me estaba hablando a mí mismo!". Ya desde un   lugar más maduro y desde otra experiencia empecé a ahondar en la obra de Frenkel y a valorarla desde otro punto de vista. Devorador de Corazones empezó a formar parte de mi catálogo de discos preferidos ya no porque me puede evocar un momento allá en 2003 sino también por su calidad artística. Sin más, les comparto el álbum para que lo puedan disfrutar:

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Firewatch: adentrándonos en los montes de Wyoming

1989. En los montes de Wyoming. Estás sobre la cima de una montaña. Es un verano más caluroso y seco de lo habitual y notás un nerviosismo generalizado. Pues bien, ahora los invito a cerrar los ojos e imaginarse esta escena ¿Listo? Muy bien, ahora denle play al OST e imagínense que son un vigilante contra incendios forestales que se ha retirado de la vida ajetreada para trabajar solitariamente en el bosque. Tu única conexión con el mundo es Delilah, tu jefa, quien estará disponible en todo momento para ayudarte. Explorarás un entorno salvaje y desconocido, deberás enfrentarte a tus dudas y tomar decisiones que puedan construir o destruir el único vínculo afectivo significativo que tenés. Este es el mundo de Firewatch, un videojuego cautivante que nos transporta al universo de Henry. Quien estuvo a cargo del OST es Chris Remo, quien también compuso para otros títulos como Thirty Flights of Loving, Gone Home y Spacebase DF-9. Sin dudas que el trabajo de Chris ha sido excelente en esta gran obra ya que supo interpretar y transmitir la atmósfera de Firewatch. Guitarras acústicas fuertemente marcadas, riffs bucólicos y percusiones minimalistas que simulan los extraños ruidos que nos invade en en el Parque Nacional de Shoshone, Wyoming.

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Kona: misterio, intriga y confusión en Quebec

Octubre de 1970. Un recóndito pueblo al norte de Quebec, Canadá. La nieve invade de repente los vírgenes bosques alrededor del lago Atamipek, la confusión, el miedo y la intriga nos encuentra en un lugar inhóspito, indefensos ante la ventisca que azota el lugar. Pues bien, ahora los invito a cerrar los ojos e imaginarse esta escena ¿Listo? Muy bien, ahora denle play al OST e imagínense que son un detective privado que acude a este asolado lugar en busca de pistas. Este es el mundo de Kona, un videojuego atrapante, escalofriante y oscuro que nos captura en esta atmósfera de film noir setentista. Quien estuvo a cargo del OST es una banda oriunda de Quebec llamada Curelabel, fundada en 2007 por Michel Banville, Marco Matte y Simon Labrecque. Sin dudas, que este origen quebequense influyó en la composición de los temas marcados por fuertes rasgueos de guitarras y riffs armónicos que bordean muchas veces con la música country.

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Chris Cornell: predicando el fin del mundo (Por Lucas Gunner)

Comencemos por lo obvio: escuché por primera vez a Soundgarden cuando vi el video de ‘Black Hole Sun’. Corría el año 1997.

En 2002, ‘Cochise’, primer corte de difusión de Audioslave, supergrupo formado por los ex Rage Against The Machine y Chris en la voz, sonaba varias veces por día en la MTV, junto con el segundo corte, ‘Like A Stone’, tema que aun sigo disfrutando como en esos días posadolescentes.

Sin embargo, cuando escuché por primera vez ‘Can’t Change Me’, me sentí atónito. No me quedaba claro si la persona que cantaba era realmente el creador de ‘Black Hole Sun’, ese himno grunge, mezcla perfecta entre la canción melódica de los Beatles y el doom de Black Sabbath. ‘Can’t Change Me’ era diferente: tenía un compás de 6/8, el riff era más melódico, sonaban instrumentos acústicos y guitarras con trémolos.

Tras la separación de Soundgarden en 1997, Chris Cornell se dedicó a desarrollar su carrera en solitario. Euphoria Morning (originalmente Euphoria Mourning) es un disco totalmente diferente a Soundgarden, no hay grunge. Es un disco íntimo, plagado de atmósferas, climas cálidos y fríos, baladas con ritmo de blues, tiempos ternarios y melodías preciosas. El segundo corte del disco, ‘Preaching The End of the World’, es, sin exagerar, uno de los temas más hermosos que escuché en mi vida. Chris predica el fin del mundo, busca un amigo para cuando llegue ese momento.

Quizás haya sido lo que estaba viviendo en ese momento, pero Euphoria Morning se convirtió en uno de mis discos favoritos de siempre. A partir de ahí, con el correr de los años, comencé a disfrutar de toda la obra de Cornell en su totalidad: Soundgarden, Temple Of The Dog, Audioslave, y sus shows íntimos de voz y guitarra acústica con covers inimaginables.

“Ella va a cambiar al mundo, pero no puede cambiarme a mí”, cantaba Chris. La sensatez de un cantante, compositor, guitarrista y músico sin fronteras. El portavoz de muchos jóvenes (ahora adultos) que le hacían frente a un mundo difícil de comprender. Un músico que no tuvo límites a la hora de componer, ni de cantar con su amplio registro de cuatro octavas, canciones maravillosas que quedarán en el efímero correr del tiempo en todos aquellos que pensamos que podemos mejorar nuestra existencia con melodías. Quizás se fue demasiado pronto. Quizás su paso por el planeta Tierra fue suficiente para demostrar que el mundo puede ser un lugar hostil, o que podemos embellecerlo, aunque sea de a ratos, con un puñado de canciones que nos salvan.

Gracias eternas. Hasta siempre, Chris.

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BAFICI: Cemento, el documental (Por Ann X)

Al fin llegó el día. Después de mucho trabajo, "Cemento, el documental" (del director Lisandro Carcaballo) llegaba al cine, en el marco del BAFICI, el 26 de abriI. La función estreno tuvo la particularidad de ser proyectada en el lugar donde estaba Cemento (Estados Unidos 1234), hoy convertido en un estacionamiento. Nostalgia para muchos, curiosidad para otros, lo cierto es que las entradas se agotaron rápidamente, por lo que se debió agregar una función gratuita el sábado 29 en Plaza Francia. No sólo yo tuve la suerte de presenciar esta proyección sino también la cantidad de gente que quedó afuera y con ansias de ver el documental. Este hecho quizás nos hable de lo mucho que se extraña y se necesita a Cemento. 

La película nos narra de un modo muy atinado y ameno la historia de Cemento: el nacimiento de la idea de la mano de Omar Chabán y Katja Alemann, su inauguración como discotteque alternativa para una época por demás convulsiva (hablamos de 1985, pleno florecimiento de la democracia y las ganas de expresarse de una juventud que venía sufriendo los años de plomo) y el espacio que se le dio a expresiones teatrales y performances (como es el caso de la Organización negra en los años 80's). Luego, también, sin abandonar del todo esta área (se habla por ejemplo de la obra "Clásico Amoral"), el documental hace su enfoque más centrado hacia los recitales de rock. 

El film consta de una interesante selección de material fílmico tanto de recitales como de las performances teatrales, y una serie de entrevistas a artistas y gente involucrada a Cemento como Katja Alemann, Yamil Chabán, el Indio Solari, Pil Trafa, Ciro Pertusi, Ricardo Iorio, Fernando Noy, Sissi Hansen, Mario Pergolini, Wallas, y muchos más. A través de ellos se va armando el rescate de la historia de Cemento, su importancia en el under, en la contracultura, el espacio que se le dio a bandas de distintos géneros (punk, heavy, rock, alternativo) ayudándolos a que se fortalezcan y crezcan.

También se habla de su mística. De sus famosos baños, de sus paredes que, literalmente, transpiraban, y de todas las condiciones poco cómodas del lugar. Sin embargo nada de eso importaba. Para muchos Cemento fue, es y será el mejor lugar que hubo para ver bandas, incluso considerándolo como un segundo hogar, un lugar donde siempre se podía ir aunque no alcanzaran las monedas para la entrada, donde siempre había algo interesante para ver y gente afín con la cual compartir. Y el gran responsable de que aquello sucediera, dando el espacio para que sea posible, fue Omar Chabán, dueño del lugar pero también artista. Esta es una de las cosas más interesantes del documental: el rescate de esa parte de Omar que se vio empañada por los tristes hechos ocurridos en la tragedia de Cromañon en el 2004, y que marcó un antes y un después en el rock, conllevando no sólo al cierre de Cemento, sino también al cierre de muchos otros lugares. 

Muchas reflexiones quedan abiertas. Quizás la historia de Cemento sirva como inspiración. Nunca volverá, pero el futuro está abierto para que, aún con todas las dificultades del presente (el poco apoyo a la cultura, el cierre de lugares donde los artistas puedan expresarse, y la mentalidad de algunos dueños de los lugares que quedan, centrada únicamente en el negocio, dejando en segundo plano lo artístico), nos demos cuenta que hay mucho por hacer. Está en manos de todos, y sobre todo las nuevas generaciones, aprender tanto de lo bueno como de lo malo para que, parafraseando a los Violadores, nada ni nadie nos pueda doblegar. 

Créditos:

• Escrito por Ann X
• Fotos extraídas de Cemento, el documental

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Radiolove: Todo va a estar bien

Capas de sonido envolventes, guitarras distorsionadas evocando el shoegaze de MBV (Enough) y una voz hipnótica que nos deja llevar por una correntada de emociones. Eso es Radiolove, el EP de Tanukichan (Hannah Van Loon).

Quizás lo primero que uno quiere saber es el origen de su llamativo sobrenombre (el cual deriva de un personaje de videojuego online llamado Dofus) pero eso queda en segundo plano al comenzar a escuchar su música. Radiolove fue compuesto en un momento de la vida de Hannah en el que ella necesitaba romper con la rutina. Al hablar de su trabajo, la compositora afirma que el álbum se "materializa en esos momentos en el que tu canción favorita con la cual te identificás (a tal punto que pensás que fue escrita para vos) comienza a sonar y pensás que todo está bien". Van Loon explica que lo que quiere evocar "es un estado en la mente y no una historia en particular".Y sin dudas que eso ocurre al escuchar a Tanukichan, su música teletransporta a sensaciones y momentos despegados de lo mundano. Son diez minutos en el que los problemas y las miserias del mundo desaparecen. Diez minutos en el que todo está bien, todo va a estar bien.

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Llega una nueva edición de Bellos Jueves (Por Rocío Vargas)

El próximo jueves 30 de abril comienza una nueva edición de Bellos Jueves. Una propuesta del Museo Nacional de Bellas Artes para conocer nuevos artistas de la plástica, la poesía y la música. El ciclo se desarrolla el último jueves de cada mes bajo la curaduría artística de Santiago Villanueva y la curaduría musical de Villa Diamante.

Durante la temporada 2014 pasaron más de 19 000 personas que pudieron observar y escuchar más de sesenta artistas que llenaron de color y música las diferentes salas y la terraza del museo. Para rememorar cada uno de los ocho encuentros del año pasado se editó un libro de colección con fotos, afiches y cinco ensayos,además de un disco doble que se puede descargar gratuitamente desde aquí. El catálogo musical cuenta con un tema de cada artista que pasó por las diferentes jornadas que tuvo entre ellos a Mariana Baraj, Coiffeur y Chancha vía Circuito entre otros.

Si querés descubrir qué es lo que está pasando en la escena sub 30 del arte no podés perderte la nueva edición de Bellos Jueves en el MNBA (Av. Del Libertador 1473).

Programación del primer encuentro del 2015:

18.00 Presentación del artista chileno Claudio Correa junto a Roberto Amigo (sala 24)

19.00 Entrevista a Adriana Lestido (segundo piso)

19.00 Visita rapeada por Under MC (sala 14)

19.30  Wenceslada (sala 5)

20.00 Guauchos (sala 14)

20.45 Visita Rapeada por Under MC (sala 14)

21.00 Nacional Rock Radio: entrevista a Pimentón (segundo piso)

21.15 Visita “El museo y el arte contemporáneo” por Marcos Kramer (hall)

21.30 Nacional Rock Radio: entrevista y acústico de Guauchos (segundo piso)

22.00 Pimentón (terraza)

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Knocking On Hells Door: Dylan Heart (Por César C. Espí Hernández)

Tomando café hace algunos días, distraído, observando a los parroquianos del bar donde me encontraba, intercepté la conversación de dos chicos que reivindicaban la autoría de la canción Knocking On Heaven´s Door al errabundo cantante Axl Rose. Aquel comentario me dio a pensar que muchas canciones de Bob Dylan nunca fueron demasiado de Bob Dylan: Las dejaba sin terminar, desnudas, desarregladas. Como las hijas de un padre ausente que desea que sea otro quién tome cargo de ellas. Con el café enfriándose, concluí que tal vez hubiera algo detrás de aquel extraño comportamiento, y la fascinante idea de que un autor de la talla de Dylan pareciera querer deshacerse de sus propias composiciones comenzó a cocerse en mi cabeza. 

Me reconozco entre los que en algún momento de su vida han pensado que All Along the Watchtower era de Jimi Hendrix, Like a Rolling Stone de los Stones, Mr. Tambourine Man de The Byrds, Highway 61 Revisited de Johnny Winter, I Shall Be Released de The Band o If Not For You de George Harrison, así como Country Pie, My Back Pages o Father of Night de The Nice, Roger Mc. Guinn y Manfred Mann, respectivamente y, sin embargo, son conscientes del enorme peso músico/social que significó y significa la trilogía formada por los discos; Bring it all back home (1965), Highway 61 Revisited (1965) y el celebérrimo Blonde on Blonde (1966). Firmados por un mesiánico Bob Dylan que, tan solo, un año después de la publicación de éste último, desaparecía de los escenarios recluyéndose en una granja en Woodstock (Nueva York) junto a su familia, viviendo austeramente, alejado de la escena musical y deshaciéndose de sus propias composiciones en huidizos discos de autocomplaciente decadencia. Usó como excusa para el exilio un misterioso accidente de tráfico con su motocicleta ocurrido en Julio de 1966, y se quitó de en medio diciendo “haber visto la luz”, evitando en lo sucesivo, cualquier halo de notoriedad a través de su música.

Es justo a partir de este momento cuando Dylan comienza a componer diamantes en bruto y son otros los que, como cervezas de un cubo helado en una fiesta, extraen el jugo de su repertorio siendo el propio Bob Dylan, quien suena muchas veces como quien versiona sus propias composiciones. Una extraña e hiperbólica elipse con un oscuro pasajero en su centro -Robert Allen Zimmerman-

Es aquí cuando la trama cobra sentido. Me cuestioné si detrás de aquella curiosidad habría una intención u objetivo pergeñados por el propio autor o respondía, simplemente, a una injusta casualidad, y traté de resolver mentalmente el enigma. Recordé una turbadora entrevista concedida por el propio Bob Dylan: En ella afirmaba, con evidente congoja, que a día de entonces (el de la entrevista, hace algunos años) seguía pagando una enorme deuda derivada de un contrato suscrito con “el comandante en jefe de un mundo que no podemos ver”, con cláusulas tan antiguas como las que firmó el primero de los hombres. De ahí, mis deducciones oníricas me condujeron al Fausto de Goethe, que a su vez me hizo desembocar en Angels Heart, la gran película de Alan Parker, basada en la recurrente venta del alma al diablo: Enseguida columbré los inquietantes paralelismos entre Johnny Favourite (alter ego de Harry Angel) y Robert Zimmerman (alter ego de Bob Dylan).

Quizás Dylan también hubiera permutado su alma a cambio de la fama y la fortuna; y quizás también él, desde la atalaya de esa gloria ya conseguida, hubiera tratado de eludir sin éxito el cumplimiento de su obligación sinalagmática. Como Favourite, Dylan también hubiera sido descubierto por su particular e implacable Luois Cypher (Lucifer), que habría castigado su esquizofrénica "mise en escène" con un dramático descenso a los infiernos. Johnny Favourite sufrió el volver a ser Harry Angel con un papel de vulgar detective de poca monta, debatiéndose agónicamente entre el evangelismo, el vudú y la apostasía. Nada muy distinto a lo de Dylan, que desapareció del mundo (que es lo que suponía recluirse en su granja de Woodstock) convirtiéndose en un amnésico anónimo al que ya se conocía como un Judas y un traidor. El tipo de persona que tanto agrada al maligno a quién suponen un estímulo extra. La traición de Harry Angel a todas sus amistades forma parte del oscuro encanto del personaje siendo su "alter ego", Johnny Favourite, quién perpetrara las vilezas. Robert Zimmerman, por su parte, también decepcionó a sus admiradores, a sus líderes religiosos, e incluso a sus más generosos colaboradores, The Band, siendo el protagonista de estas felonías su secundaria y turbia personalidad: Bob Dylan.

Durante toda su vida, Dylan, ha tratado de deshacer el pacto con Louis Cypher, atormentado, como todos sus antecesores, por el alto precio a pagar por algo tan vacuo como es la fama y el dinero. Al comprobar que su intento de burlar al demonio había fallado recurrió al último recurso de los condenados; solicitar el amparo de entidades superiores. Pensó que convirtiéndose al catolicismo y actuando ante el Papa podía declararse salvado y acceder al indulto que se concede a quién cambia de bando, al perdón del traidor… al beso de Judas.

-Sabéis que estamos viviendo los últimos días. Llegó a decir durante la gira del álbum Saved (1979) y, tras citar la Biblia, añadió: Echad un vistazo a Medio Oriente. Os avisé en The Times They Are-a-Changin´. Dije que la respuesta estaba flotando en el aire, ahora os digo que Jesús está de vuelta. Concluyendo el sermón diciendo sentirse rescatado por la gloria de Dios, redimido, y lleno de gracia divina al grito de Aleluya que no evitaba que un nauseabundo olor a azufre aun le envolviera la pituitaria.

Seguramente, y tal y como sucede en el imprescindible film de Alan Parker, Dylan, no consiga zafarse nunca de su acuerdo con Louis Cypher, y acabe por ser llamado a dar su último concierto. Un recital íntimo que ocurrirá en una amplia sala, donde un deleitado Cypher le esperará solo, sentado en una confortable butaca de terciopelo, acariciando la empuñadura de su elegante bastón de plata y preparado para escuchar a su más escurridizo socio entonar, durante toda la eternidad, el estribillo de aquella canción en la que decía sentirse como llamando a las puertas…del infierno.

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Novedades de La Ciudad Bajo La Niebla

La Ciudad Bajo la Niebla (LCBLN) es una banda que nació desde un proyecto solista de Martín Avati en aquel hoy lejano año 2008. Con el porteño Barrio de Caballito como epicentro del mundo fue tomando forma de grupo. El origen del nombre de la banda se centra en dos hechos históricos: la traducción literal de “La Ville sus la Brume”, una banda de jazz gitano de la década del ´30 formada por el bisabuelo de Avati. En mayo de 2009 la banda hace su primera presentación en el Centro Cultural Favero, en La Plata, y aquí comienza la mística de “los ciudadanos”. En ese mismo año, además, graban Revoluciones, un disco con el costado mas rockero de LCBLN. En 2010 editan de manera independiente Te Amo, el disco con el que la banda logra consolidar su sonido y estética tan particular y cuenta con la participación de Edu Schmidt (ex Arbol) y Agustin Dellacroce (Sponsors) como músicos invitados. LCBLN participó en diversos festivales y shows en vivo entre los que se destacan: Bs.As Club (junto a Sponsors), El Ayuntamiento (La Plata), The Roxy Live, Pura Vida (La plata), Fiesta Hawaii en Podestá, Festival Amamamona en Salón Irreal (Junto a Adicta), La ratonera cultural Junto a Nio Elefante de El Mato), The Cavern club, Ultra bar, Casa Rock Mar del Plata, Festival en el Borda (junto a La bersuit Sponsors - Edu Schmidt Gustavo Basterrica Villanos y Leo García) entre otros. 

Actualmente LCBLN está integrada por Martin Avati (Voz y Guitarra), Marilyn Avati (Teclado y Coros), Agustín Sánchez (Bajo) y Agustín Cruz (Teclados). LCBLN reconoce influencias musicales en The Beatles, The Killers, The Strokes y Charly Garcia. Pero no menos inspiradores considera a las calles del barrio, los amigos, las novias, las no novias, los amores, los no amores, Bioy Casares, Borges, Roberto Arlt y todas las personas que nos marcan en cualquier momento de nuestra vida.

Novedades:

LCBLN acaba de rodar el videoclip de “Eterna noche azul” que será su primer corte de difusión, en que participa Chano de Tan Biónica. El Video fue filmado y dirigido por Hernán Saez de FARSA PRODUCCIONES Los próximos proyectos de la banda son la edición del nuevo disco y el comienzo de una gira por todo el país, que comienza el mes próximo en la ciudad de Rosario. Tras su último show en el Samsung Studio junto a Richard Coleman, organizado por Speedy, LCBLN se prepara para “Salir a matar” en Marzo de 2014, presentando su nuevo trabajo discográfico en distintos puntos del país.

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ABducidos adelanta nuevas canciones

ABducidos son Marcelo Gómez (voz y sintetizador), Adrián Crivelli (Bajo y coros), Emiliano Martinelli (batería) y Javier Loppez (sampler y sintetizador). Formados a mediados del 2006 originalmente como dúo electrónico, editaron su álbum debut homónimo en mayo del 2008 a través de PEATÓN Discográfica. El mismo fue posproducido y masterizado por Daniel Melero y producido por el grupo.

Después de trabajar a lo largo del 2011 y 2012 con una nueva formación que incluye bajo y batería, en junio del 2014 editan , producido por ellos mismos y mezclado por Carlos Shaw, su esperado segundo disco titulado “Recuerdos del futuro” por el mismo sello discográfico.

Este viernes ABducidos continua presentando segundo álbum "Recuerdos del futuro" (PEATóN 012) y adelantando nuevas canciones de su próximo EP. Además, se presentará Tongo, el nuevo y renovado proyecto solista experimental de Sebastián Velazquez (ex-bajista de Victoria Mil y Placer, actual de Las uvas estroboscópicas) presenta su álbum debut homónimo. Para más info del evento, click aquí

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Review: Acoustic at the Ryman de Band of Horses (Por Ricardo Portmán)

Band of Horses: Salvajes y orgánicos

Acoustic at the Ryman

(Brown Records / Popstock!)

★ ★ ★1/2

Los sonidos acústicos (esos que fueron exprimidos impunemente hasta el límite en los noventas) fueron los elegidos por los Band of Horses para su primer disco en directo, titulado precisamente Acoustic at the Ryman. No podía ser de otra manera sino a través de los efluvios orgánicos de la madera que se grabe adecuadamente un disco en el santuario del Ryman.

La banda de Ben Bridwell quiso elevar el listón de sus propios temas, eligiendo cuidadosamente un repertorio que abarcara todos los matices de su interesante discografía. La grabación tiene momentos realmente enaltecedores, especialmente en las sentidas performances de The Funeral, Detlef Schrempf y Factory. Acoustic at The Ryman coloca en el sitio que merece a uno de los grupos llamados a convertirse en clásicos del género.

Por Ricardo Portmán de ecosdelvinilo.com (@ecosdelvinilo)

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Congreso Argentino de Educadores Musicales 2014

Foro Latinoamericano De Educación Musical – FLADEM – Sección Argentina
Fecha: 1°, 2 y 3 de Mayo de 2014

Lugar: Ciudad Autónoma De Buenos Aires

Destinatarios
Músicos y docentes de música de todos los niveles educativos.
Docentes, estudiantes y graduados de carreras de educación superior de instituciones públicas y privadas vinculados con la educación musical.
Educadores de otros lenguajes artísticos; pedagogos, músicos, investigadores, funcionarios educativos de las distintas jurisdicciones, gestores culturales.

Propósito

La educación musical está conformada por todos los actores musicales: instrumentistas, compositores, cantantes, arregladores, directores, educadores musicales. El repertorio musical es amplio y abarca músicas eurocentristas, autóctonas, regionales argentinas y latinoamericanas, así como otra gran variedad de expresiones. Los músicos y los docentes de música son parte activa del proceso de creación y reproducción cultural, otorgando o negando validez desde sus discursos y sus prácticas, a los diversos estilos, géneros, concepciones y formas de utilización de la música.
Este Congreso se propone convocar a un intercambio de opiniones y posiciones acerca de la formación musical en general, en instituciones o fuera de ellas, acerca de los modelos pedagógicos subyacentes, de la reflexión sobre los mismos, y por ende, de la formación musical básica del futuro maestro de música.

Objetivos
- Analizar y crear conciencia acerca de la situación actual de la educación musical argentina
- Compartir experiencias pedagógicas diversificadas que favorezcan la reflexión acerca de la situación real de la formación docente de los educadores musicales y de las instituciones formadoras.
- Promover el intercambio académico entre profesores de música y músicos intérpretes, compositores y musicólogos, para difundir logros, problemáticas y compartir las particularidades regionales de la educación musical.

Más info en: click aquí

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Sparklehorse: paisajes del cielo y del infierno (Por Lucas Gunner)

Sparklehorse es una banda que cualquier amante de la música debería escuchar. Con cinco discos editados (el suicidio de Mark Linkous, líder, cantante y  multiinstrumentista, en 2010 puso fin al proyecto), la banda estadounidense de Indie rock nos muestra diferentes pasajes musicales en cada una de sus placas.

Conocí a Sparklehorse a mediados de 2012 (Pablo Krantz, músico y amigo, me la recomendó) con el disco ‘It's a Wonderful Life’ del año 2001. Aquella placa captó inmediatamente mi atención, ya que desde principio a fin me envolvió con diferentes texturas, como una pintura con colores fríos que, por momentos se hace más armoniosa con algunos colores cálidos. Los teclados del primer tema del disco, que le da título a este, capturaron mis sentidos, y los arreglos sutiles de guitarras acústicas ponen esa armonía que refleja el gran gusto de Linkous.

Por otro lado, en ‘It’s a Wonderful Life’ encontramos temas oscuros, que se acercan al doom, melodías más pesadas y frías con toques electrónicos, como ‘Dog Door’ que cuenta con la participación de Tom Waits. ‘En King of Nails’, el riff del comienzo reivindica el poder que puede tener una guitarra acústica bien ejecutada, junto con una distorsión grunge de guitarra eléctrica que hace que el tema parezca salido de un lado B de Soundgarden. ‘Piano Fire’ cuenta con la participación de la gran PJ Harvey en voz y guitarras, otra gema Indie rock de la placa y con John Parish en el bajo.

Sin embargo, el tema ‘Little Fat Baby’ es uno de los temas más bellos del disco: los arreglos de cuerdas, los sintetizadores, las guitarras acústicas y la voz de Linkous que reza en el estribillo ‘Fue arrastrado por un burro por los vidrios y los arrayanes/ Pero alguna vez fue un bebé gordito’, resaltan por su emotividad.

El segundo disco de Sparklehorse, ‘Good Morning Spider’ de 1998, también merece estar entre los favoritos de cualquier melómano. Con temas más melódicos e introspectivos como ‘Hey, Joe’, ‘Painbirds’ y ‘Saint Mary’ y temas rockeros como el hit ‘Sick of Goodbyes’ y ‘Pig’, el potente rock que abre el disco, nos lleva por diferentes rutas de armonías y nos hace entender que en el rock no todo es tempo acelerado y notas estridentes .

Sparklehorse, que alguna vez fue soporte de Radiohead, es una de las bandas más complejas y fructíferas del Indie rock: nos conduce hacia distintos paisajes, distintas armonías; nos muestra que, tanto el buen gusto y las sutilezas, como las guitarras distorsionadas y los efectos de voz son válidos en el rock; nos arrastra como por los vidrios y los arrayanes, aunque alguna vez hayamos sido bebés gorditos.

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La América de Superpez (Por Ricardo Portmán)

Sin prisa pero sin pausa. Sabio dicho que se aplica benéfico en el paciente proceso de evolución musical de la banda española Superpez. Su ópera prima América (Gran Derby Records) verá la luz en este mes de febrero de 2014 después de una larga y minuciosa gestación.

Superpez es un grupo que se salta las reglas y va a su propia velocidad. Ni exageran ni se quedan cortos, tienen lo que hay que tener enlas dosis de creatividad suficientes para hacerlos únicos. Desde su formación en 2010 han ganado en experiencia y tablas, como dignos sucesores del proyecto matriz Urbasón.

Javier Martínez (voz, guitarra), Suso Gómez (bajo), Antonio Pulli (guitarras, coros) y Manuel Herencia (batería) son los artesanos de Superpez. ¿Qué podemos encontrar en América? Buen rock, un impecable trabajo de guitarras, melodías sutiles y letras impresionistas. El track Todo Va Bien es el acertado adelanto, difundido desde el mes de diciembre pasado. Grabado en Madrid y masterizado en California, este álbum contiene una música que dará de que hablar y no dejará indiferente a nadie.

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Music Is My Girlfriend festejará los 6 años del ciclo de shows

El ciclo de shows festeja sus 6 años con 19 bandas en 2 escenarios con 107 Faunos, Acorazado Potemkin, Autopista, Bestia Bebé, Bicicletas, Chillan las Bestias, Las Diferencias, Los Espíritus, Fantasmagoria, Go-Neko!, Las Kellies, Los Negretes, normA, El Perrodiablo, Placard, Poseidotica, The Tormentos, Valle de Muñecas y El Violinista del Amor y los Pibes que Miraban.
En el Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Capital Federal) Sábado 21 de diciembre, a partir de las 15:00hs (puerta a las 15hs, primer show 15.30).
Habrá feria de discos con la presencia de Oui Oui Records, Laptra Discos, Scatter Records, Ediciones Piloto de Tormenta y mucho más.
Entradas anticipadas a la venta por Ticketek. Puerta $100. Music Is My Girlfriend, un evento para enamorados de los sonidos nuevos que alimentan el alma. Más info aquí 

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Los mejores discos del 2013

Se viene el fin de año, se vienen los balances, promesas a incumplir, lamentos, alegrías, tristezas, brindis con los seres queridos (y no tan queridos) y por supuesto los infaltables recopilados de los mejores discos del 2013. En nuestro caso esta lista no es sinónimo de álbumes editados en dicho año. Es por eso que en este set se incluirán los discos que fueron escuchados en el 2013 pero quizás fueron editados hace un par de años atrás (Caso Maricel Isasa). A continuación un listado que incluye lo mejor de la música independiente... 

El fin de semana que viene (Capítulo 7)

Capítulo 7(el nombre del grupo en referencia a uno de los capítulos la novela Rayuela de Julio Cortázar), proyecto musical de Fran Raya (guitarra, bajo y coros) y Vero Rueda (voz, carillón, melódica y pequeña percusión) editó este nuevo álbum este año. Está compuesto por cinco canciones que tienen como hilo conductor las relaciones a distancia.




Nikola (Nikola)

Se trata del proyecto paralelo de dos conocidos de la casa: Carolina Pacheco (Srta Carolina) y Leonardo Acevedo (cantante y guitarrista de SEGBA). El disco está compuesto por siete temas y contó con la participación de Ale Pugliese (solo de guitarra en Gato de la Calle Negra) y Tato Ballesta (bajo en Té con Miel).



Fuera de Campo (Dënver)

El 3er disco del dúo de electropop chileno Dënver representa madurez, crecimiento y la solidez de un sonido representativo. El disco se grabó entre Chile y México. En Chile grabaron en el estudio Janeiro, con Mari y Pablo Muñoz que es su socio e ingeniero. Y, en México, grabaron las cuerdas (con la participación de doce músicos).

Nacerán las hojas (Maricel Isasa)

El primer disco, Nacerán las hojas, reúne composiciones acústicas y breves. Maricel grabó con Zelmar Garín, fundador del sello Noseso Records, que ha editado en medio de su catálogo experimental los discos de canciones de Eduardo Herrera y Soema Montenegro.

Lapsus (Gastón Massenzio)

El disco está compuesto por diez temas de su propia autoría que oscilan entre letras en inglés y castellano. Un disco que se recomienda escuchar principalmente porque,sin dudas, Gastón sabe transmitir de forma eficiente su amor a la música.




Alucinari (Sobrenadar)

Paula García yendo y viniendo entre Chaco y Capital, adoptó la identidad de Sobrenadar y fue forjándola a través de dos LPs y tres EPs, autoeditados digitalmente. Actualmente se encuentra presentando sus trabajos acompañada por Javier Medialdea al mando de sintetizadores espaciales y vocoders marcianos.



Obras de Juventud (Juvenilia)

Disco debut que contiene los temas "Terrified" y "Solíamos reirnos más". Dicho álbum muestra el gran potencial que tienen estas chicas como grupo a través de una voz clara y armoniosa, un bajo y batería que le dan el beat necesario sin caer en el ruido absurdo y una guitarra que exclama y reclama a través de riffs bien al estilo The Cure.




Apertura (La Mala Vida)

Sintetizadores, guitarras y la dulce voz de Mailen le dan al álbum un climax atemporal. Apertura fue grabado entre enero y abril de 2013 en Valparaiso, Chile y Buenos Aires, Argentina. En cuanto a la producción, estuvo a cargo de Diego Acosta, el mastering por Juan Stewart, la foto de tapa por "Negligence" de Pulpolux y el diseño por Cecilia Villalba.

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