Si había algo que no podía permitirme perderme era la posibilidad de tener la experiencia de ver una película clásica en 16mm. Anoche pude ver The Postman Always Rings Twice (1946) en dicho formato en un rincón de Buenos Aires. Más precisamente el Espacio Zelaya, un espacio-jardín en el Abasto que le da lugar a la cultura en todas sus expresiones. Además, como si fuera poco, tuve el honor de poder ver a Fernando Martín Peña, quien recibió a los invitados y nos deleitó con una introducción al mejor estilo Filmoteca. La experiencia fue increíble no sólo por la calidad del film en su estado original sino también por la atmósfera cálida que se percibía en el lugar. En definitiva, un lugar que recomiendo visitar para quienes sean fanáticos del Séptimo Arte.
The Ghost and Mrs Muir (1947) en mi opinión es una de las películas más infravaloradas y quizás una de las más tristes que he visto hasta el momento. Por un lado tenemos a Rex Harrison, quien encarna su rol de una forma notable de tal modo de poder mostrarse huraño y reacio con las palabras pero enternecedor con su mirada (Tal es así, que con tan sólo ver a los protagonistas mirarse uno al otro se puede percibir lo que sucede entre ellos). Por el otro lado tenemos a Gene Tierney, quien con su talento y su honestidad artística nos trae no sólo escenas para el recuerdo sino también frases muy interesantes sobre la vida, el paso del tiempo, la soledad y el amor. Pero también no se puede olvidar mencionar otra de las aristas importantes que hacen a este film digno de ser visto: su director, Joseph L. Mankiewicz. Su sensibilidad se puede percibir en su óptica y en la manera de narrar la historia con detalles que logran traspasar diversas emociones a través de la pantalla. Finalmente, les comparto la banda sonora, compuesta por Bernard Herrmann, que sin dudas logra captar la atmósfera de la historia de una forma perfecta:
Hace unas semanas volví a ver una de mis películas preferidas del cine negro, The Big Sleep (1946) de Howard Hawks, y hubo algo que me llamó realmente la atención: el rol de la mujer en el film. Hace tiempo igual que vengo prestando atención a esos detalles en los film noirs pero en este fue que noté una riqueza en los personajes. Rastreando un poco en la web me encontré que definitivamente estaba en lo cierto y no sólo eso sino que esta temática ya había sido abordada en detalle. El concepto desarrollado es el de Hawksian Women (en referencia al director estadounidense), es decir el de mujeres que lejos de mostrarse frágiles, vulnerables, cosificadas y sobreprotegidas, muestran una fortaleza, una sagacidad, un carisma y un atrevimiento que las pone al mismo nivel que aquellos personajes masculinos. Pero no sólo eso, Hawks además maneja con gran habilidad los tiempos y los climas en el que aparecen estas mujeres ya que en la mayoría de los casos se trata de personajes secundarios.
Una de ellas es Dorothy Malone, quien encarna a una empleada de una libreria. En una de las escenas más icónicas de esta película, su interacción con Humphrey Bogart es soberbia. Desde su sagacidad, su belleza, la seducción y el atrevimiento, Malone no sólo se anima desde el lugar del personaje sino también como actriz. Nota de color: este fue su primer papel importante en la gran pantalla y dicen que estaba tan nerviosa que Bogart tuvo que ayudarla a servir el whiskey para que no se notara que temblaba. Pero más allá de los nervios del debut, la actriz estadounidense sin dudas dio sus primeros pasos con éxito en una de las escenas más memorables del cine negro.
Otro de los personajes que se destaca es Joy Barlow, la conductora del
taxi. No sólo puede llegar a llamar la atención del trabajo que ocupa
(tradicionalmente masculino) sino también la forma en la que encara su rol en el film más allá de no ser el principal.
Barlow, además, representa a las mujeres que durante la Segunda Guerra
Mundial adquirieron un rol más importante en la sociedad y encontraron
su independencia.
Para quienes estén interesados en leer un poco más sobre este concepto, recomiendo pasar por el blog Sydney Feminists, en el cual podrán encontrar un artículo en el que desarrollan este tema.
"He's a fool, but very gaucho," dice uno de los desertores en referencia a Martín, el protagonista principal de Way of a Gaucho. Y si les parece raro que aparezca la palabra gaucho en medio de un diálogo en inglés aún no se imaginan lo que es escuchar mencionar algunas de nuestras provincias como Chaco, Santa fe y Córdoba o incluso personajes históricos nuestros como Rosas y San Martín. También en el film podrán escuchar folcklore pero cantado en inglés. Si bien suena extraño, en palabras de Fernando Martín Peña (Sres, de pie por favor), El Camino del Gaucho cuenta con una buena recreación ya que hubo gente de nuestro país que se involucró en la creación del vestuario, las prácticas tradicionales (por ejemplo, las peleas a cuchillo) y la ambientación. Como si fuera poco, esta película fue filmada en nuestro país bajo el gobierno de Juan D. Perón y podrán ver en ella muchos de los paisajes tan característicos de La Pampa y nuestra Patagonia. Si bien no hay mucha más información y registro del paso de Hollywood por nuestro país, puedo recomendarles el libro Babilonia Gaucha de Diego Curbeto y el siguiente blog en el que cuentan algunos aspectos más de la filmación de esta obra (ArgentinaMundo).
"Buenos Aires le da la bienvenida a Gene con los brazos abiertos"
De una enigmática belleza y un talento infravalorado, Gene Tierney tuvo una vida marcada por el éxito y por la tragedia. Ella fue una figura recurrente de las películas de cine negro como The Shanghai Gesture (1941), Laura (1944), Leave Her to Heaven (1945),
Whirlpool (1949), Night and the City (1950) y Where the Sidewalk Ends
(1950) y podría seguir enumerando y citando más títulos de su filmografía. Ella no trascendía la pantalla sólo por su belleza sino también por su profundidad, vulnerabilidad y un halo estelar que lograba que el espectador no desviara su mirada de ella. Pero así como podía encarnar diversos roles en sus películas, en su vida personal experimentó el sabor del triunfo y la tragedia a una corta edad: el drama de su pequeña hija, su enfermedad, sus romances, la relación con su padre y sus demonios internos la llevaron al límite. Ella solía decir "No tengo problemas en encarnar un rol. Mis problemas empiezan cuando tengo que ser yo misma". Aún así a pesar de los golpes que la vida le dio, supo reponerse y dejarnos un mensaje que inspira la fortaleza y las agallas de encarar la vida incluso cuando parece que no nos podremos reponer de sus golpes. Hoy Gene cumpliría 98 años, ya no está más con nosotros, pero siempre tendremos sus películas y su experiencia de vida como legado.
Empieza noviembre y es una buena excusa para empezar una maratón de Cine Negro: empieza Noirviembre. A continuación habrá una lista de películas del género Noir con la idea no de rankear por su cualidad sino simplemente de compartir algunos films que considero esenciales para quienes se estén adentrando a este género.
Día 1: Double Indemnity (1944) Barbara Standwyck, Fred MacMurray y Edward G. Robinson son parte de una historia con condimentos que van desde la causalidad, el destino, el inminente fatalismo, la traición y la desconfianza.
Día 2: Out of the Past (1947)
Robert Mitchum Y Jane Greer están inmersos en un laberinto de trampas y engaños que los lleva a un inminente destino difícil de esquivar. Un film que sin dudas es un clásico del cine negro.
Día 3: Mildred Pierce (1945)
Un film que contrasta el mundo de Mildred (Joan Crawford) de día en su exitosa vida en su restaurant y de noche con los problemas que conlleva su vida amorosa y la crianza de una hija malcriada.
Día 4: The Postman Always Rings Twice (1946)
Sospechas, engaños y un destino difícil de evitar son una vez más condimentos de una película clásica de este género. Basada en la novela homónima de John Garfield, este film nos muestra una de las mejores performances de una femme fatale de la mano de Lana Turner.
Día 5: M (1931)
No es un film negro en su más pura esencia pero sí pertenece al denominado proto-noir. Es importante destacar el movimiento expresionista alemán, en el cual se destacan directores como Fritz Lang, F.W. Murnau y Von Sternberg, ya que dio pié a lo que luego vamos a conocer como film noir. Esta película es la última que Lang filma en Alemania antes de huir a causa de la guerra y nos muestra como personaje principal a un actor que más tarde triunfaría en el cine estadounidense: Peter Lorre.
Día 6: The Woman in the Window (1944)
Como ya adelanté en el día 5, Fritz Lang fue unos de los directores más importantes de este género. En este caso con The Woman in the Window, Lang nos muestra a través del pensamiento freudiano como funciona la mente de un criminal. También se destaca el fantástico dúo que componen Joan Bennett y Edward G. Robinson y la forma inteligente que tuvo el director alemán para no violar el Código Hay. Por cierto, también se recomienda ver Scarlett Street (por muchos es considerado el film mellizo) dirigida por el mismo director y que reune a gran parte de este elenco.
Día 7: The Asphalt Jungle (1950)
Este es un film que contrasta el sueño idílico del personaje principal en la vida rural con su oscura realidad en la vida urbana. Esta película además nos muestra a una joven Marilyn Monroe que estaba dando sus primeros pasos en Hollywood.
Día 8: Pickup On South Street (1950)
Este film nos muestra perfectamente la paranoia en la que EEUU vivía durante la era Macartista. Esta es una película violenta y brutal que estuvo al borde la censura por parte del código Hay.
Día 9: The Lady from Shanghai (1948)
Orson Welles no sólo llamó a su ex mujer Rita Hayworth para protagonizar este film sino también le hizo teñir el cabello de rubio para dicho rol. Al márgen de estas notas de color, el film nos muestra un guión laberíntico con una de las escenas más icónicas del cine negro.
Día 10: Murder, my Sweet (1944)
Basado en la novela de Raymond Chandler (un autor al cual recomiendo leer si están interesados en este género) Farewell, My Lady, esta película nos trae diálogos sagaces y una gran actuación de Dick Powell, pionero en la interpretación del famoso detective Philip Marlowe.
Día 11: Leave her to Heaven (1945)
¿Una película de cine negro en color? ¿Filmada en el ámbito rural? ¿Y a plena luz del día? Suena extraño, pero cuando vean como actúa Gene Tierney bajo el dominio de sus celos verán a qué nivel de maldad puede llegar una verdadera femme fatale.
Día 12: The Killers (1946)
Basada en la historia homónima escrita por Ernest Hemingway, The Killers nos trae al dúo compuesto por Burt Lancaster y Ava Gardner. Nuevamente aparece el engaño, la desconfianza y un pasado que vuelve en forma de un destino difícil de escapar.
Día 13: This Gun for Hire (1942)
Sin dudas uno de mis dúos favoritos del cine negro: Alan Ladd y Veronica Lake. Detrás de escenas eran tímidos pero la química de estos dos actores explotaba cuando la cámara estaba encendida. En caso de que tengan ganas de ver un poco más de esta icónica pareja, les recomiendo ver The Glass Key, The Blue Dahlia y Saigon.
Día 14:Rififi (1955)
Suspenso y brutalidad en una de las películas consideradas como una obra cumbre del cine negro europeo. Si con M mencioné la importancia del expresionismo alemán, la corriente francesa sin duda que también fue muy importante para el desarrollo de este género.
Día 15:Detour (1945)
Que una película sea de clase B muchas veces es sólo por un tema de presupuesto y no de su calidad. Ese es el caso de Detour, un film que fue filmado en sólo seis días y cuya reputación fue creciendo con el paso del tiempo.
Día 16: Gilda (1946)
El odio y el engaño se hacen una vez más presentes en un film que nos trae una de las escenas más icónicas de Rita Hayworth. No adelantaré mucho más, la belleza y el talento de Rita hablan por sí solos.
Día 17: The Big Heat (1953)
Una vez más Fritz Lang nos trae una historia brutal y violenta que nos muestra la lucha de un policía en un ámbito corrupto que sobrepasa los límites. A través de Bannion nos vamos a involucrar en lo más oscuro de la vida nocturna en la ciudad.
Día 18: The Killing (1956)
Narrada en una forma poco usual, Stanley Kubrik nos presenta una serie de personajes que tiene un destino en común: robar el dinero del hipódromo. Este estilo de narración sería de gran influencia en directores como Quentin Tarantino, como por ejemplo en su film Reservoir Dogs.
Día 19: Sweet Smell of Success (1957) El dueño de uno de los diarios más importantes de la ciudad es capaz de hacer cualquier cosa para alejar a su hija de su relación con el jazzista Steve Dallas. Esta película nos muestra el cinismo en su máxima expresión y la miseria de los personajes principales que por una razón u otra actúan sin importarles quien está al frente.
Día 20: Gun Crazy (1950)
Él, obsesionado por las armas. Ella, una hábil pistolera. El destino junta a estos dos personajes que se involucrarán poco a poco en el mundo del crímen. Un film que pasó desapercibido en su momento pero que se reivindicó con el paso del tiempo.
Día 21: Sunset Boulevard (1950)
Que sí, que no, algunos críticos ponen en duda si este film pertenece a este género. Lo cierto es que uno no puede permitirse perderse de esta película que nos muestra la vida de una estrella del cine mudo que quiere volver a saborear el éxito. Norma Desmond...Recuerden ese nombre.
Día 22: The Maltese Falcon (1941) Una de las primeras películas que vi de este género y una de las primeras que vi de Bogie. Este film marcó el camino a la popularidad del film noir norteamericano de la mano de John Huston y de un gran elenco compuesto por Humphrey Bogart, Mary Astor, Edward G. Robinson, Peter Lorre y Sydney Greenstreet.
Día 23: In a Lonely Place (1950) Bogie es uno de las caras más recurrentes del cine negro norteamericano y esta vez compone a un personaje conflictivo dominado por los celos y una personalidad temperamental. Estas características poco a poco lo pondrán en el foco de la sospecha no sólo por parte de los personajes del film sino también por parte nuestra como espectadores.
Día 24: Night of the Hunter (1955)
Robert Mitchum encarna a un cura asesino que llega a un pequeño pueblo y poco a poco se involucra y se gana la confianza de sus habitantes. Una película que nos brinda grandes escenas con influencias del expresionismo alemán y cuya reputación, como tantas otras, fue creciendo con el paso del tiempo.
Día 25:Key Largo (1948) John Huston, Edward G. Robinson y Humphrey Bogart vuelven a la escena nuevamente con este famoso título. Pero esta vez Bogie no está solo sino que compone uno de los más icónicos dúos de Hollywood junto a Lauren Bacall(con quien filmó tres títulos más y los cuales recomiendo ver).
Día 26: The Third Man (1949)
Una de las películas que más disfruté no tanto por su argumento sino por la estética (el uso de las sombras y las extrañas tomas inclinadas). Ambientada en la Viena de la posguerra, Orson Welles nos cuenta la historia de una misteriosa muerte y cuyo protagonista principal intentará develar. Por cierto, su soundtrack también es imperdible.
Día 27:Laura (1944) Una extraña muerte, sospechas, despecho y la enigmática belleza de Gene Tierney nos trae una de las películas más icónicas de este género. Por cierto, imperdible la actuacion de Clifton Webb.
Día 28: Kiss Me, Deadly (1955)
Así como se mencionaba la particularidad de Pickup On South Street (1950) en cuanto a su relación con el contexto de la época, este film no va a ser diferente. La brutalidad, la violencia y el misterio nos atrapa en una película cuyos personajes no podrán evadir la paranoia de la sociedad norteamericana en los 50s: el miedo a una guerra nuclear. Sin dudas, uno de mis películas preferidas que más me impactó de este género.
Día 29: The Big Sleep (1946) Raymond Chandler nos trae lo que es sin dudas una de las historias más importantes del género. Humphrey Bogart y Lauren Bacall vuelven a la escena para adentrarnos a un film laberíntico y confuso lleno de intriga, sospechas, corrupción y misterio.
Día 30: Touch of Evil (1958)
Finalmente llegó la última película de la maratón. Este film dirigido por Orson Welles tiene particularidades muy interesantes: cuenta la historia que el director británico fue despedido en pleno proceso de producción y el film salió a la luz con muchas ediciones que fastidiaron a Welles (pueden leer más en detalle en este post). Afortunadamente cuarenta años más tarde se encontraron los bocetos de Welles y gracias a un gran trabajo de edición se pudo recrear la idea original. Esta obra no sólo es la última de esta larga lista sino también una de los últimas que marca el fin del esplendor del Cine Negro.
Touch of Evil no sólo simboliza el fin de la etapa dorada del género film noir sino también la difícil relación de Orson Welles con la industria cinematográfica. La historia cuenta que Welles fue despedido en proceso de post-producción y los productores de Universal tomaron la decisión de re-editar la película no sólo cambiando detalles sino también rodando escenas extras que rompían totalmente con la idea original del director. Cuando Welles se enteró de dicho montaje, decidió enviar a Universal un memo de 58 páginas que contenía sus indicaciones y cambios que debían realizar antes de que salga a la luz. Sin embargo ya era demasiado tarde porque los productores ignoraron a Welles y estrenaron el film con resultados negativos. Cuarenta años más tarde, Walter Murch re-editó la película siguiendo las anotaciones de Welles (cuyo memo se creía perdido pero Charlton Heston guardaba copia) al pie de la letra y publicó una edición del film que por fin haría justicia a una de las obras maestras del director británico. Para finalizar, les comparto un video en el cual se pueden apreciar las tomas de la versión editada por Universal Studios comparadas con la version original de Welles.
Veronica Lake fue una de las actrices más icónicas de los años 40s no sólo por sus papeles de femme fatale y ser el complemento perfecto para Alan Ladd (en películas como Saigon, The Blue Dahlia, The Glass Key y This Gun for Hire) sino también por su peinado. En su mejor momento de popularidad, el famoso peek-a-boo style de Lake repercutió tanto en la sociedad que incluso el gobierno de EEUU tuvo que pedirle que por favor aconseje a las muchachas jóvenes americanas a no imitar dicho estilo ¿Cómo? Cuando EEUU ingresó a la guerra la mujer sin dudas que tuvo un papel importante y uno de los lugares en el que tomaron la posta fue la fábrica.¿Cómo se relaciona este acontecimiento con Lake? Pues resulta que su peinado podía llegar a provocar problemas a las chicas a la hora de realizar los trabajos fabriles tales como por ejemplo que su cabello se pudiese atascar en alguna de las máquinas. A continuación les comparto el documento de la época en el que Veronica recomienda una nueva alternativa a su peinado:
Hace unos años vi la trilogía de Linklater (Before Sunrise, Before Sunset y Before Midnight) y realmente quedé atrapado por la presencia de Julie Delpy, una de las protagonistas de la saga. En principio no sólo por lo enigmática y atractiva que resultaba su belleza sino también por el talento que irradiaba. En los films, sin embargo, se pueden ver pistas de que ese talento no se reduce meramente a lo actoral. En ocasiones, la actriz francesa también muestra sus dotes musicales, tal como se puede apreciar en una de las escenas en la que ella canta un vals (A Waltz for a Night). Es así, que a partir de ese momento empecé a indagar en el currículum de Julie para poder ver más de su trabajo artístico. Es entonces cuando me encontré que en el año 2003 ella grabó un disco homónimo. El disco cuenta con doce canciones de su autoría, de los cuales tres fueron incluídas en la película Before Sunset (tal como había mencionado anteriormente). En un formato simple, la actriz es acompañada por su guitarra acústica, un bajo, una batería, y, en ocasiones, por un banjo y teclados. Su voz nos susurra baladas que aborda temáticas como el amor y el desamor o la pérdida de un ser querido. Sin más, les comparto el álbum para que puedan disfrutarlo:
Historia de dos hermanas, y un sentimiento de envidia y odio en una de las hermanas genera algo que nunca había imaginado. Este cortometraje de animación 3d fue realizado por los alumnos Ying Wu y Xu Lizzia de la Escuela de Arte Ringling College. Disfruten de una fantástica animación que cuenta con un gran diseño de personajes y entornos; y recrea de manera perfecta una situación que quizás alguna vez hemos atravesado: el celo entre hermanos. Ficha técnica: "Spell Bound" Un film de: Ying Wu y Lizzia Xu Producción de: Ringling College of Art & Design https://www.ringling.edu/
En esta oportunidad compartiré uno de los momentos de Humphrey Bogart en la película We're No Angels. Básicamente Bogart encarna el personaje de un prisionero que, junto a otros dos, ha huido de la cárcel y busca un lugar para esconderse. Ese escondite resulta ser la casa de una familia que, desconociendo la historia de estos tres prófugos, le dan la bienvenida a su hogar. Lejos del crimen y de la delincuencia, los tres personajes intentan comportarse lo mejor posible. A tal punto que en una de las escenas se lo ve a Humphrey encargándose él mismo de preparar la cena navideña. Es extraño y gracioso quizás verlo a Bogie no como un hombre rudo y cínico sino como a alguien desplegando sus habilidades en la cocina y...¡vistiendo un delantal rosa! Sin dudas que muestra su versatilidad como actor ya que además de poder caracterizar personajes de carácter duro, también podía mostrar sus dotes como cómico.
En The Big Sleep, Bogart encarna un detective (Philip Marlowe) cuya misión es encontrar la banda que está detrás de una red de chantaje. En esta clásica escena, Marlowe sospecha que en la libreria se lleva a cabo operaciones ilegales relacionadas con este crímen, por lo cual decide probar a la señorita que atiende el negocio. Para ello Bogart la consulta sobre libros inexistentes (o con información errónea) para comprobar sus conocimientos en la literatura. Tal como se describe en la novela, para su divertimento Marlowe le agrega cierto snobismo al personaje para demostrar nivel de intelectualidad. Tras una serie de preguntas, Bogart confirma la ignorancia de quien atiende el lugar y su sospecha de que en ese lugar la venta de libros no es el principal negocio va tornándose realidad.
Se enciende un cigarrillo. Ella y su particular mirada. Él y su cinismo. Una habitación oscura y un silencio que se rompe con ese juego dialéctico de palabras punzantes y certeras. Se miran. Por un momento breve, quizás largo ¿Qué estarán pensando, qué se estarán diciendo por dentro? Un halo de misterio los envuelve. La tensión roza la perfección.
Quien sostiene su particular mirada es ni nada más ni nada menos que Lauren Bacall. No sabría por dónde comenzar. Fue la primera vez que la vi en una película y lo que recuerdo es que su mirada, su postura y su voz me cautivaron de una manera bastante particular ¡Cuánta clase en una sola persona!¡Qué personalidad! Mucho más me sorprendí cuando descubrí que en este film ella hacía su debut. Y más aún, cuando veía en su figura una persona madura que para ese entonces tenía ¡19 años! Una madurez para poder llevar a cabo una performance tan sólida ante actores de gran calibre como Humphrey Bogart. Y aquí me detengo. Cuando vi a estos dos actores en escena sentí que estaban traspasando la pantalla, que esa tensión entre ellos dos no era sólo parte del argumento. Había algo más. La química de ellos dos era visible. Cuando veía a Lauren y Humphrey veía dos personas que no sólo estaban interpretando un papel sino también se estaban enamorando. Las líneas del guión eran apenas un medium para ese cortejo. Mi percepción, sin dudas, no era errada. Bogart para ese entonces estaba pasando por un mal momento con su pareja (Mayo Methot) quien tenía problemas de alcoholismo. Es así que en su vulnerabilidad encontró en Lauren la paz que necesitaba. Tras sufrir episodios de violencia (Methot llegó incluso a apuñalarlo), Bogart decidió darle punto final a su relación y, meses más tarde, contraería matrimonio con Bacall. Una relación que perduraría hasta el fin de sus días, un amor que traspasó la pantalla y nos dejó como legado a una de las parejas más icónicas de Hollywood.
Al fin llegó el día. Después de mucho trabajo, "Cemento, el documental" (del director Lisandro Carcaballo) llegaba al cine, en el marco del BAFICI, el 26 de abriI. La función estreno tuvo la particularidad de ser proyectada en el lugar donde estaba Cemento (Estados Unidos 1234), hoy convertido en un estacionamiento. Nostalgia para muchos, curiosidad para otros, lo cierto es que las entradas se agotaron rápidamente, por lo que se debió agregar una función gratuita el sábado 29 en Plaza Francia. No sólo yo tuve la suerte de presenciar esta proyección sino también la cantidad de gente que quedó afuera y con ansias de ver el documental. Este hecho quizás nos hable de lo mucho que se extraña y se necesita a Cemento.
La película nos narra de un modo muy atinado y ameno la historia de Cemento: el nacimiento de la idea de la mano de Omar Chabán y Katja Alemann, su inauguración como discotteque alternativa para una época por demás convulsiva (hablamos de 1985, pleno florecimiento de la democracia y las ganas de expresarse de una juventud que venía sufriendo los años de plomo) y el espacio que se le dio a expresiones teatrales y performances (como es el caso de la Organización negra en los años 80's). Luego, también, sin abandonar del todo esta área (se habla por ejemplo de la obra "Clásico Amoral"), el documental hace su enfoque más centrado hacia los recitales de rock.
El film consta de una interesante selección de material fílmico tanto de recitales como de las performances teatrales, y una serie de entrevistas a artistas y gente involucrada a Cemento como Katja Alemann, Yamil Chabán, el Indio Solari, Pil Trafa, Ciro Pertusi, Ricardo Iorio, Fernando Noy, Sissi Hansen, Mario Pergolini, Wallas, y muchos más. A través de ellos se va armando el rescate de la historia de Cemento, su importancia en el under, en la contracultura, el espacio que se le dio a bandas de distintos géneros (punk, heavy, rock, alternativo) ayudándolos a que se fortalezcan y crezcan.
También se habla de su mística. De sus famosos baños, de sus paredes que, literalmente, transpiraban, y de todas las condiciones poco cómodas del lugar. Sin embargo nada de eso importaba. Para muchos Cemento fue, es y será el mejor lugar que hubo para ver bandas, incluso considerándolo como un segundo hogar, un lugar donde siempre se podía ir aunque no alcanzaran las monedas para la entrada, donde siempre había algo interesante para ver y gente afín con la cual compartir. Y el gran responsable de que aquello sucediera, dando el espacio para que sea posible, fue Omar Chabán, dueño del lugar pero también artista. Esta es una de las cosas más interesantes del documental: el rescate de esa parte de Omar que se vio empañada por los tristes hechos ocurridos en la tragedia de Cromañon en el 2004, y que marcó un antes y un después en el rock, conllevando no sólo al cierre de Cemento, sino también al cierre de muchos otros lugares.
Muchas reflexiones quedan abiertas. Quizás la historia de Cemento sirva como inspiración. Nunca volverá, pero el futuro está abierto para que, aún con todas las dificultades del presente (el poco apoyo a la cultura, el cierre de lugares donde los artistas puedan expresarse, y la mentalidad de algunos dueños de los lugares que quedan, centrada únicamente en el negocio, dejando en segundo plano lo artístico), nos demos cuenta que hay mucho por hacer. Está en manos de todos, y sobre todo las nuevas generaciones, aprender tanto de lo bueno como de lo malo para que, parafraseando a los Violadores, nada ni nadie nos pueda doblegar.
Fue creado por Josh Burton como su proyecto de tesis en Savannah College of Art and Design. El Alfarero relata la historia de cómo un maestro le enseña a su discípulo a darle vida al barro. Y como en todo proceso de enseñanza efectiva, si no hay magia, no hay transformación.
Revista digital sobre música, literatura y cine. Consta de más de 10 secciones como 'Música indie', 'Recomendado del viernes', 'Literatura', 'Cine', 'Teatro' y 'Artista indie de la semana'. Han pasado diferentes artistas de Chile, Argentina, Colombia,Ecuador, México, Venezuela, Perú, España y Uruguay. El sitio está en permanente contacto con espacios aliados como CartelIndie (Colombia), Movimiento Ruido (Argentina), Discos perfectos (Argentina), La tertulia de los cuervos (México), Irrelephant (España), Indielogía (España) e HispanoRock (Venezuela).
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Créditos: José Manuel Pamos Vargas (@Jmpamos) 'He mezclado de alguna forma la @ que simboliza las nuevas tecnologías, junto con la escritura y la música, simulando una nota musical'
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Si había algo que no podía permitirme perderme era la posibilidad de tener la experiencia de ver una película clásica en 16mm. Anoche pude ver The Postman Always Rings Twice (1946) en dicho formato en un rincón de Buenos Aires. Más precisamente el Espacio Zelaya, un espacio-jardín en el Abasto que le da lugar a la cultura en todas sus expresiones. Además, como si fuera poco, tuve el honor de poder ver a Fernando Martín Peña, quien recibió a los invitados y nos deleitó con una introducción al mejor estilo Filmoteca. La experiencia fue increíble no sólo por la calidad del film en su estado original sino también por la atmósfera cálida que se percibía en el lugar. En definitiva, un lugar que recomiendo visitar para quienes sean fanáticos del Séptimo Arte. 
