"Era de madrugada, apenas las tres. No había una luz en las casas de la vecindad[....] [...de pronto un crujido, un crujido en la silla enfrente mio, la silla que siempre ocupan los que vienen a charlar conmigo...]"
Creada por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López, El Eternauta es una historieta argentina de ciencia ficción que fue publicada inicialmente en Hora Cero Semanal de 1957 a 1959. La historia comienza con un guionista de historietas: el propio Oesterheld, quien en un ejercicio de metaficción se utiliza a sí mismo como personaje. Su participación en la historia consiste en escuchar el relato de las vivencias de Juan Salvo, el «Eternauta», un hombre que se materializa en su casa sin previo aviso. Este personaje, además de relatar una serie de eventos, expresa sus propias impresiones y análisis de los sucesos que van teniendo lugar en la historieta. Personalmente, una de las cosas que más me fascina es el hecho de que el autor cite constántemente puntos de la ciudad de Bs As que, en mi caso, suelo recorrer en mi rutina diaria. Es así que todas las referencias a calles o lugares de la ciudad son verídicas. Por ej: La primera batalla tiene lugar en la Avenida General Paz; la base de operaciones de la resistencia toma lugar en el Estadio Monumental Antonio Vespucio Liberti (River Plate); las Barrancas de Belgrano; La Plaza del Congreso; La Plaza Italia; La Avenida Santa Fe; Avenida Cabildo; Avenida Las Heras; la estación de subte Plaza Italia; entre otros. Sin más, espero que logre captar vuestro interés en esta historieta que hoy es parte del recomendado del viernes. Para finalizar, les dejo el trailer de una miniserie que relata la vida del autor, Oesterheld...
Epifanía nos comparte algunos temas que serán parte de su primer EP "Buen Viaje". La banda está compuesta por: Voz y guitarra: Nidia G. Voz y guitarra: Carlos Montiel Teclados y programaciones: Avatar Tincho. A continuación, un adelanto:
Ihä nos sorprende con su propuesta musical
Músico: ihä Álbum: Liek Hiin Stäk Sin Tÿ Lanzamiento: 8 de diciembre, 2012 Género: Dark New Age | Electronic | Ambient Ihä es el seudónimo de Ignacio H.. Sus primeros dos discos, «Un nuevo comienzo» y «El Camino Olvidado», son lanzados en 2011 a través del sello autogestionado Ce chemin est le bon. Su música se enmarca dentro de la experimentación, pasando por los campos del post-rock, el sound collage, el drone, el krautrock, el dark ambient, el shoegaze y el noise, siempre con un espíritu outsider y, ante todo, con alma. El disco tiene ciertas recomendaciones: Escuchar de noche, idealmente estando acostado y usando audífonos. En los links añadidos están todos sus demás discos para escuchar y descargar gratuitamente, por si les quieren dar una oída. Links: Facebook | Last.fm | Bandcamp | Mozcu | Soundcloud Link de descarga (320 Kbps): Mediafire
Martín Yubro nos trae su último lanzamiento
Martin Yubro, acaba de editar su nuevo disco. Él nació en Octubre de 1979; es guitarrista, compositor y docente. Estudió guitarra eléctrica y clásica, armonía y composición con Lito Epumer, Ernesto Snajer, Omar Cirulnyk, Sergio Romano y Ezequiel Finger. Actualmente se encuentra trabajando en su 1º disco solista "amigo árbol ensamble". Integra: La familia ingle, Balkan Spice, Nora Luca, Mattuk Loop Tender, Se pequeño y Sacanana. Dicta clases particulares desde los 17 años. En cuanto a su material, Amigo Arbol nace en el año 2007 ofreciendo una propuesta de carácter instrumental de raíz folklórica. Su música, piezas de composición propia basadas principalmente en ritmos folklóricos locales, es una fusión armónica en la que se incorporan elementos de la música clásica, el flamenco y efectos electrónicos. La composición está a cargo de Martin Yubro, mientras que los arreglos generales surgen de los aportes de cada músico en sus respectivas líneas de creación.
Diskette es un nuevo proyecto musical de la ciudad de Buenos Aires. Fue descripto por el pintor Cristian Barnes como "cuan alegre, cuan cool". Quien está a cargo de esta situación es el músico Erven Bler.
"La definición de shit/pop fue lo que más le acertó a Diskette." Erven Bler, Finales de Abril de 2013.
Cuando un grupo de
jóvenes y talentosos músicos une: enorme amor por la música y una gran dedicación,
el resultado siempre sorprende. Milagreros no es una excepción y su
música es un perfecto reflejo de esa unión.
Brenda, Sebastián, Augusto y Leo, son 4 artistas de distintos
puntos de esta provincia, quienes junto a Alfredo
Norese reconocido arreglador y productor local decidieron trabajar juntos,
cada uno aportando su propia visión y preferencias musicales para elaborar una
propuesta que unifica lo mejor del cancionero folklórico argentino con la
estética y sonidos de los nuevos tiempos.
Con menos de dos años de
trayectoria, Milagreros ha logrado consolidarse como una de las
propuestas más renovadoras de la música nacional , continuando el camino que
hace muchos años atrás iniciaran el recordado y gran Chango Farías Gómez,
Peteco Carabajal, Liliana Herrero, Jorge Fandermole entre otros.
Utilizando la formación de una
banda de música pop/rock, casi sin instrumentos autóctonos, pero siempre con
un gran respeto por el origen de nuestra música, el sonido de Milagreros
se nos presenta, ya desde la primera audición, como único, con arreglos e interpretaciones
que demuestran las diferentes influencias de los miembros de la banda y un
cuidado trabajo de la voz, herramienta indispensable para hacer conocer de la
mejor manera las hermosas líricas y melodías de los clásicos del folklore
nacional.
Brenda Urcabe en voz, Sebastián
Ayala en batería, Augusto Norese
en guitarra, Leo Santa Cruz en bajo
y la dirección musical de Alfredo Norese
presentan a Milagreros en su show: Nuevas versiones de clásicos del folklore.
Lo
gauchesco, las raíces, el folclore, lo pueblerino, la peña local, la vida
privada expuesta, el “qué dirán”, las viejas chismosas en la vereda, las ganas
de irse, la paternidad, la huida las borracheras, las ganas de ser querido y las
de dejarse cuidar… Estas son algunas facetas de una cara que los habitantes del
interior de la Argentina muestran –en mayor o menor medida- para muchos de los
que por allí hemos vivido o trajinado. Y es en un viaje en donde pueden surgir
historias como la de El Partener, una
pieza nacida en pleno trayecto hacia Gualeguaychú y que su creador, Mauricio
Kartun, decidió ambientar en una mugrienta habitación en Campana. Un padre
escurridizo y mañero, un adolescente abandonado que le sigue la huella y la
china de turno conforman el triángulo del conflicto que rige la historia.
Esta es
una obra hecha a la medida de Juan Palomino. Su carácter de galán maduro, su
postura corporal y hasta la textura de su voz lo transforman en un paisano
borracho y pendenciero con pretensiones de cantor, que anda por los pueblos
buscándose la vida y seduciendo mujeres, mientras arrastra un hijo al que
abandona una y otra vez. Por su parte, Rodrigo Álvarez interpreta a un inocente
joven que sufre una calculada transformación sobre el final, aunque sin terminar
de desplegar todo el potencial de recursos para componer un personaje que podría
ofrecer matices más ricos. Ana Yovino compone de manera excelente a la
solterona de pueblo, con tics, soliloquios irrefrenables y maneras que pintan
muy bien la pacatería de antaño.
Si bien
la trama no ofrece sorpresas y todo pareciera consistir en dejarse llevar por
lo delicioso de los diálogos y algunas situaciones cercanas a pasos de comedia,
la dirección de actores acusa un tiempo tal vez un poco largo para el
desarrollo de la historia. En el final, la situación no termina de revelarse, y
el director pareciera tardar en poner las cartas sobre la mesa. Más allá de
todo, los valores que pone en juego El
Partener, sumados a una gran calidad actoral reponen cualquier falla,
realzando las interpretaciones por sobre todo.
Ficha técnica:
El Partener, de Mauricio
Kartun
Elenco: Juan Palomino, Ana
Yovino y Rodrigo Álvarez
“Era una de aquellas sonrisas
excepcionales, que tenía la cualidad de dejarte tranquilo. Sonrisas como esa se
las topa uno sólo cuatro ó cinco veces en toda la vida, y comprenden, o parecen
hacerlo, todo el mundo exterior en un instante, para después concentrarse en
ti, con un prejuicio irresistible a tu favor. Te mostraba que te entendía hasta
el punto en que querías ser comprendido, creía en ti como a ti te gustaría
creer en ti mismo y te aseguraba que se llevaba de ti la impresión precisa que
tú, en tu mejor momento, querrías comunicar.” Esta frase pertenece a la novela de F. Scott Fitzgerald, The Great Gatsby, y la dice Nick Carraway, el narrador y observador,
sobre Jay Gatsby, personaje misterioso y carismático. También aparece en la
nueva película de Baz Luhrmann, la repite Tobey McGuire y la imagen que acompaña
a esta reflexión es un primer plano de Leonardo DiCaprio alzando una copa: en
medio de una fiesta, con el bullicio, el ruido ensordecedor de fondo y la visión
embriagada por el alcohol; la sonrisa seductora, levemente maliciosa y los ojos
brillante de Gatsby son algo así como un bálsamo, un alivio, un relajo.
El quinto largo
de Baz Luhrmann, El Gran Gatsby,
sigue el mismo camino que el director se había trazado desde su primera
película, El Amor Está En El Aire (Stricktly Ballroom, 1992), es decir,
fastuosas producciones obnubiladas por el artificio, por las ganas desbocadas
de contar historias desmesuradas y lanzarse sin red al vacío. O al ridículo,
según quien mire.
La película
abrió la 66ª edición del Festival de Cannes y, al parecer, no tuvo una gran
recepción. La crítica especializada tampoco derrochó demasiados elogios sobre
la película y se han generado opiniones encontradas; de hecho, Baz Luhrmann
nunca fue del todo bien recibido por la prensa en general. Esta disparidad de
opiniones con respecto a El Gran Gatsby
tiene que ver con la idea de representación de un texto canónico, o con la
pregunta, mejor dicho, que supone representar una obra clásica: ¿hasta qué
punto se debe ser fiel al material original?
Si en materia de
fidelidad hablamos, Luhrmann ya ha probado ser un irrespetuoso, en el buen
sentido de la palabra, de las obras originales que ha decidido adaptar al cine;
para muestra véase Romeo + Julieta (Romeo + Juliet, 1996), que ambientaba y
traía al presente el clásico de William Shakespeare, provocando la ira de unos
y las alabanzas de otros.
El procedimiento
que utiliza, básicamente, en El Gran
Gatsby es el mismo que en sus películas anteriores, esto es, leer la obra
original, tomar apuntes, rescatar la esencia, hacer un bollo con esa obra y
ponerse a filmar. El desparpajo, el frenesí y la vitalidad de la obra entera de
Luhrmann es admirable, sus pocas ganas de adaptar fielmente un clásico es un
ejemplo de lo que debería ser norma. Joe Wright así lo entendió para sus
propios films. Por supuesto que algunas veces puede salir bien y otras, los
resultados quizás no sean tan favorables.
A quienes no les
guste el cine Luhrmann decididamente no les va a gustar El Gran Gatsby, la primera media hora, hasta el momento en que
aparece Gatsby, es súper veloz, con un montaje acelerado, nervioso y
fragmentado, sumémosle a esto que la película tiene su versión en 3D lo que
genera que el vértigo sea mayor aún. A Luhrmann le interesa retratar lo
superfluo, lo banal, tomando decisiones estéticas polémicas, como hacer uso del
CGI en momentos que uno podría considerar innecesarios o eligiendo musicalizar
la película entera con hip hop, R&B y soul actual (Jay Z es uno de los
productores ejecutivos del film), pero que, en vista de lo que quiere contar y
cómo lo quiere contar, es absolutamente coherente con su propuesta (cabe
destacar a Leo DiCaprio, desaforado, enloquecido, vital, moviéndose en un
registro exagerado, pero tan divertido y cautivador: definitivamente, es uno de
los mejores actores de su generación).
En estos tiempos
donde muchos directores hacen versiones adocenadas de obras clásicas, versiones
pacatas, remilgadas y poco jugadas (léase Walter Salles y su versión de En El Camino de Jack Kerouac, por poner
un ejemplo de un director contemporáneo releyendo una obra indiscutible) es,
desde mi perspectiva, fundamental resaltar a esta clase de artistas, por eso,
mi intención es defender a tipos como Baz Luhrmann, desprejuiciados y más
dispuestos a disfrutar del viaje y la experiencia antes que ser respetuosos o
solemnes. Con resultados desparejos, sí, pero moviéndose jocosa y
despreocupadamente por terrenos donde más de uno se congelaría e iría a lo
seguro, sin siquiera intentar romper los moldes que contienen a la obra que
pretender representar.
Por lo tanto,
querido lector ocasional, si has llegado hasta aquí es porque algo en tu
curiosidad se ha despertado, así que esta opinión, tan secundaria y tan nimia,
quizás pueda darte ese empujón que estabas buscando: no tengas miedo y deja
atrás los preconceptos, entrégate al placer de lo baladí y lo trivial,
adueñándote así de superficies de placer.
El Gran Gatsby
The Great
Gatsby, 2013, 142’, USA / AUSTRALIA, Warner Bros. Pictures / Village Roadshow
Pictures / A&E Television Networks
Dirección: Baz Luhrmann
Guión: Baz Luhrmann, Craig Pierce. Basado
en la novela de F. Scott Fitzgerald, The Great Gatsby
Producción: Catherine Martin
Fotografía: Simon Duggan
Montaje:
Jason Ballantine, Jonathan Reidmon, Matt Vila
Música:
Craig Armstrong
Arte:
Damian Drew, Ian Grace, Michael Turner
Reparto: Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan,
TobeyMcGuire, Joel Edgerton
Eran los 90' y el debate crecía ¿Blur u Oasis? Así como unas décadas atrás, la 'rivalidad' era entre Beatles o Rolling Stones, esa inútil dicotomía se trasladaba al Britpop. Con ambos grupos talentosos, para los melómanos era una delicia saber que, para que la competencia sea más rica, una u otra banda lanzaba discos que arrasaban con todo. Es así que en 1995, los hermanos Gallagher sacaban a la luz su segundo disco de estudio. Se trata de (What's the story) Morning Glory?. Un disco compuesto por doce canciones que caracterizarían todo una época y pasarían a formar parte en ese hermoso catálogo de mejores discos del rock. Con el himno tantas veces coreado Wonderwall, la eléctrica Morning Glory, y las atrapantes Don't look back in anger y She's electric, la banda oriunda de Manchester se llevaría todos los aplausos...y los premios. En cuanto al arte de tapa, la foto fue tomada en Berwick Street (Londres), entre las confluencias con Noel Street y D'Arblay Street. Sean Rowley lleva una camisa azul en la portada y contraportada. Brian Cannon yéndose, lleva la camisa color crema, mientras Owen Morris al fondo sostiene un estuche con la grabación del álbum. Para finalizar, les dejamos 'el álbum completo:
‘La Hombre’ es el nuevo sencillo de Mind Movies, proyecto del brasileño Raoni Santos, producido en marzo y lanzado en fines de abril de este año y que incluye algunos samples. El B-Side ‘No Te Detengas’ también incorpora pedazos de trabajos de otros artistas, pero sigue una estética muy distinta. También se recomienda pasar por su anterior trabajo, Dreamtrónica, material que nos lleva a distintas atmósferas como el ambient hasta transportarnos a vórtices impensados.
Hace un par de meses scrolleando en el muro de Facebook, entre tantas publicaciones, me topé con una que me llamó la atención. Era un dibujo que representaba la letra de una canción. Era el fragmento de Spaghetti del Rock. Hice click en la fuente y eso me llevó a la fanpage de Flopa. Allí pude descubrir decenas de canciones retratadas por esta gran artista. Me atrapó, entre tantas otras cosas, la sensibilidad que evocaban sus obras. Pasaron los meses, seguí investigando y me di cuenta que no había mucha información de ella. Es así que decidí contactarme y entrevistarla vía mail. Para adelantarles un poco, la autora de estos magníficas dibujos es Flor Monza, una joven de 28 años oriunda de Rosario. Para conocer más sobre ella, los invito a leer esta nota.... 1.A
modo de presentación ¿Cuáles son tus primeros recuerdos en el mundo de las
ilustraciones?
Mis primeros recuerdos en el
mundo de las ilustraciones, más bien del dibujo, arrancan desde muy chica.
Siempre dibujé, creaba personajes. Me pasaba horas leyendo Mafalda y revistas
de historietas.Veía mucho el programa de Caloi (Caloi en su tinta), quedaba hipnotizada frente a esos cortos animados…
2.¿Qué o quién te dio el empujón para dar los primeros pasos?
De chiquita siempre tuve
estimulación en mi casa; materiales para pintar, dibujar, música, libros y
juegos, jamás faltaban!
Pero bueno, con el tiempose fue
adormeciendo ese costado creativo. A los 17 años decidí estudiar psicología.Y
hacia finales de la carrera el empujón me lo dí sola, busqué reconectarme con
el arte haciendo cursos y trabajos de fotografía y retomando a fondo el dibujo.
Me puse a bocetear ilustraciones sobre pensamientos, y canciones…
3.¿A qué dibujantes admirás?
Crecí con Quino, con Caloi, como
te contaba antes…; con Maitena, el Negro Fontanarrosa, de mis pagos. De la nueva
camada de dibujantes mis preferidos son Tute y Liniers. De Tute me gusta
muchísimo el trabajo que hace en relación al psicoanálisis, no sólo en relación
a la terapia propiamente dicha, sino a distintas ideas que extrae de él para
hacer sus viñetas.De Liniers me encanta el humor que tiene, y estoy
identificada en algún punto en su relación con la música. Hace poco vi una nota
que le hicieron para un canal de cable, donde mostraba artes de discos que
había realizado, y decía que era su mayor acercamiento a la música, que era un
músico frustrado, no por falta de ganas sino de talento. Es lo mismo que me ha
pasado a mí, lo intenté, lo intenté pero no.. Por eso no me quedó otra que
dibujar la música jaja
También me gusta muchísimo lo que
hacen Julieta Arroquy, Gabi Rubí y Troche.
4.En gral al entrevistar a los artistas, ellos siempre me dicen
que ‘son artistas con un trabajo normal’ ya que no pueden dedicarse de pleno a
dicha actividad. En tu caso ¿te dedicás exclusivamente a dibujar o tenés un
trabajo que no tiene relación con esta actividad?
Antes que nada, me cuesta
muchísimo aceptar el hecho de que me cataloguen como artista. Lo mío arranca hace
menos de un año subiendo dibujitos a un blog, que nunca pensé que pudieran
llegar a tener tal repercusión. Pero bueno es una cuestión de “habilitarse”,
que pasa por uno más allá de que se tenga el visto bueno de los otros.
Respondiendo a tu pregunta, se
podría decir que vivo de la psicología…Y sí, existe un vínculo; Freud hablaba
de la sublimación, como uno de los destinos de la pulsión. En la práctica busqué
el nexo entre estas dos pasiones, y de
hecho lo encontré en el Arte-terapia.
5.¿Cuál es tu ritmo de trabajo? ¿Cuánto dedicas a cada
ilustración?
El tema es que para míse trata de
un hobby, lo hago por placer, no tengo un tiempo destinado específicamente para
dibujar. Cuando siento las ganas de hacerlo, me siento y dibujo. Que
generalmente las tengo todo el tiempo, la cuestión es que muchas veces se me
complica sentarme a dibujar tranquila, por falta de tiempo justamente. Y cada
ilustración me lleva bastante tiempo, ya que trabajo dibujando directamente en
la pc.
6.Seguramente al ver tus primeras obras ves ciertos cambios ¿De
qué forma sentís que tu trabajo ha evolucionado?
Pueden haber ciertos cambios…Igualmente
no es tanto el tiempo que ha pasado de aquellos primeros dibujos (hablando de
estos que hago de manera digital), quizás más adelante pueda decirte. En lo
estético, se nota en el trazo. Los rasgos de los personajes fueron mutando un
poco; veo mis primeros dibujos y es como
ver los primeros capítulos de los Simpsons!jaja En lo conceptual, pienso que no
hay gran evolución, precisamente porque la temática es un tanto acotada…
7.¿Cómo surgió la idea de ilustrar el libro de Ailén Abril Damo? ¿Cómo
fue el proceso creacional?
Ailén me escribió contándome que
tenía ganas de que hiciera algunas ilustraciones para su primer libro; me mandó
un escrito para que conociera lo que hacía, y no sólo me gustó su forma de
escribir, sino que me pareció muy atrayente que esos poemas habían sido
escritos por una adolescente de 17 años.El proceso creativo fue un tanto
virtual, por razones de distancia. Ailén es de Resistencia (Prov. De Chaco) y
yo de Rosario. Así que fuimos haciendo, deshaciendo y rehaciendo hasta que finalmente
cada ilustración reflejó la esencia de lo que Ailén quería transmitir en cada
escrito.
8.Una obviedad sería decir que la música te inspira a dibujar
pero ¿cuáles son los artistas que siempre logran transmitirte la energía
creativa para dibujar?
Es como un mecanismo que se
produce solo, cuando escucho una letra que me gusta. En mi cabeza se producen
imágenes. Ciertamente tengo mis artistas favoritos, pero también puedo hacer
alguna que otra canción de artistas que quizás no sigo tanto. Es la conexión
que se produce entre esa letra y algún momento de mi vida, o de gente cercana a
mí.
9.¿Qué significa la
ilustración para vos?
La
ilustración para mi significa liberación, disfrute, alegría; posibilidad de
comunicar.
10.¿Qué es lo mejor y lo peor
de tu profesión?
Cuando hablas de profesión supongo que te referís al dibujo…lo mejor es el
disfrute que siento al hacerlo, el reconocimiento de la
gente, que se tomen el tiempo de escribirte felicitándote, que lo que hago
incentive a otras personas a dibujar también, que me cuenten historias
personales referidas a alguna canción que dibujé. Que te hagan saber que algo
que vos hiciste les generó un instante de felicidad. Eso es maravilloso!
Lo peor… no sé… todavía no encontré algo malo. No sé si lo habrá tampoco.
Quizás cuando te hacen alguna crítica sin fundamentos, pero bueno, supongo que
es parte del juego.
11. Por último ¿Cuáles son
tus metas/proyectos a futuro?
Poder
seguir laburando de lo que me da felicidad, sobre todo del dibujo y la
ilustración.
Espero que hayan disfrutado tanto como yo de la entrevista. Agradezco a Flor por la buena onda y espero que, quienes no la conocían, indaguen en su trabajo ya que se van a encontrar con un universo fantástico. Para ver más de sus obras, pueden visitar:
Formada a fines de 2009, la banda gira en torno a la figura de la señora Erika Chuwoki, reconocida artista/empresaria, quien desde su páramo en Miami Norte decidió expandir su corporación al ámbito del rock contratando a 5 empleados para formar una banda que eventualmente le generara dividendos. Desde Marzo de 2010 la banda viene presentando su show por el circuito de boliches montevideanos. En diciembre de 2010 salió su primer trabajo discográfico, el EP titulado “La Corporación”. La crítica ha definido su estilo como “barullo psicobélico con electromagnetismo cero”. En mayo de ese mismo año graba un disco en vivo, en conjunto con la banda amiga Mixti Fori, en formato acústico. Y, en agosto el tema "Armstrong" es incluido en "Movimiento del ruido Vol II" , compilado de bandas independientes latinoamericanas. Actualmente se encuentra en el proceso de grabación de su primer LP a lanzarse en 2013. Formación: Álvarez: batería Duplechescu: voz y guitarra Ivaniski: guitarra Maccio: bajo Melo: guitarra
"El fumigador" pertenece a la firma Chuwoki Inc. incluido en el disco acústico "Mixti Fori y Erika Chuwoki en el aire". Visuales producidas por Anguila Yimeil. Imágenes extraídas del film no verbal "Baraka" de Ron Fricke, altamente recomendado por la señora Erika Chuwoki.
CIUDAD EMERGENTE 2013. DEL 19 AL 23 DE JUNIO EN EL CENTRO CULTURAL RECOLETA.
Música – Fotografía – Moda – Cine – Poesía – Danza Callejera – Muestras – StandUp – Teatro – Arte Callejero – Historieta – Videojuegos – Batallas de Hip Hop Con la participación de reconocidos artistas y bandas locales e internacionales: Nacho Vegas (España), Amparo Sánchez (Ex Amparanoia, España), Bob Gruen (Estados Unidos), Fuerza Bruta, Poncho, Utopians, Eruca Sativa, Viva Elástico, Rayos Láser, Ministerio de Energía, Surfistas del Sistema, junto a artistas invitados y bandas de la provincia de Buenos Aires, ganadores del Concurso Rock BA. Para ver un adelanto, les dejamos Fuera o más allá de Eruca Sativa, una de las bandas presentes en este festival...
Lovesong, The piano tribute to The Cure es un disco que reúne los clásicos de la banda británica liderada por Robert Smith. Un trabajo que está compuesto por 11 temas (versiones en formato piano) de esta gran banda. Como solemos decir, los covers suelen ser un terreno difícil de transitar para los músicos ya que muchas veces la obra original puede ser 'arruinada'. Pero este no es el caso ya que son versiones creativas y originales que no caen en tamaño error. Para ser más directos ¿Por qué es el recomendamos este álbum? Porque es un disco otoñal perfecto para acompañar con un té en penumbras bajo el calor intenso de la estufa. La combinación ideal para combatir esta ola polar. Para finalizar, les dejamos Lovesong... Lista de temas: 1.Lovesong 2.Boys Don't Cry 3.Jumping Someone Else's Train 4.In Between Days 5.The End Of The World 6.Pictures Of You 7.Just Like Heaven 8.A Night Like This 9.This Is A Lie / Maybe Someday 10.The Walk 11.Friday I'm In Love 12.What's The Cure For Love?
De Guirnalda con amores, 1959 Algunos al héroe lo llaman holgazán. Él se reserva, en efecto, para altas y temerarias empresas. Llegará a las islas felices y cortará las manzanas de oro, encontrará el Santo Grial y del brazo que emerge de las tranquilas aguas del lago arrebatará la espada del rey Arturo. A estos sueños los interrumpe el vuelo de una reina. El héroe sabe que tal aparición no le ofrece una gloriosa aventura, ni siquiera una mera aventura -desdeña la acepción francesa del término- pero tampoco ignora que los héroes no eluden entreveros que acaban en la victoria y en la muerte. Porque no se parece a nuestros héroes criollos, no sobrevive para contar la anécdota. ¿Quiénes la cuentan? Los sobrevivientes, los rivales que él venció. Naturalmente, le guardan inquina y se vengan llamándolo zángano.
Addry Arias (Vocal), Marcelo Jam (Batería), Adrián Radco (Guitarra Principal), Fabio Pin (Bajo/Voces) y Migue Salazar (Guitarra Rítmica) son parte de este proyecto musical llamado Sol de Marte. Oriundos de Colombia, se han contactado con nosotros para compartirnos su interesante material. A continuación, más sobre ellos....
La banda nace a mediados del 2011, y todo se inicia a partir del encuentro entre Addry Arias y Adrián Radco en un salón de clases, ambos estudiantes de la UPC Valledupar, cruzan palabras cada clase hasta que llegan al tema de la música y se crea el “Primum musicum nectunt” o “primer vínculo musical”. La escena rockera local ya era conocida por Adrian, quien había estado anteriormente en una banda de Punk, pero por diferencias musicales se retiró. Y si hay algo que destaca a esta banda es la variedad de influencias ya sea de diferentes géneros (como Metal, Punk, Folk, Grunge, Rock en Español, Punk-rock, Nu Metal, Rap Rock, Rock Alternativo, Ska, Rock Pop, Metal Alternativo, Heavy Metal, entre muchos otros) y de diferentes bandas (como Paramore, Fito Páez, Cranberries, Cuarteto de Nos, Aterciopelados, Tr3s de corazones, ,Enanitos Verdes y Cuarteto de Nos Ellos, entre otros). Ellos se han interesado mucho en redescubrir nuevas alternativas además del Punk, Metal y Hardcore, los cuales eran los géneros más apetecidos en una ciudad, como dicen ellos, "en donde su propia cultura intenta asfixiar algunos tipos de expresión cultural, en este caso la música rockera que sus jóvenes vienen desarrollando desde ya hace varios años." Adrián da a conocer a Addry a su amigo Marcelo Romero, un joven músico de la ciudad que aunque no era músico profesional, lo era de corazón, comprende la idea de la banda y sin decir mucho al escuchar cantar a Adriana decide hacer parte de la agrupación (aun sin nombre). Poco después de ensayar algunos covers se incorpora a la banda otro importante personaje: Fabio Pin, quien era amigo de Marcelo y Adrián hasta el momento, y que también había hecho parte de bandas locales como “Megalomaniatic” (Nu Metal) y “Línea del Frente”.
En cuanto a su nombre, ellos explican que “Sol de Marte” significa la importancia de sus guitarras como punto de origen y la aplicación de la clave de sol en las partituras para este bello instrumento, y Marte será el punto diferencial entre el PLANETA ROCK existente en la misma ciudad y los nuevos sonidos que traen para la misma, tanto de género como en letras.
Sinópsis: El corto empieza con un bebe ante el que se presenta un anciano con aspecto decrépito provocando el espanto del bebé, que es George, el protagonista. George comienza su vida huyendo de esa imagen de la muerte y emprende al principio inseguro el camino y pronto se hace ufano con él. El corto nos presenta en un rápido ciclo cómo la persona evoluciona no sólo en su cuerpo sino en su modo de andar, de arrostrar la vida, el futuro y cómo poco a poco llega al punto del final de la vida del que le parecía estar huyendo. El corto no sólo es el efecto del paso del tiempo en la vida o la gracia de ver cómo crecemos sino que parece darnos un mensaje: la vida es un abrazo entre la muerte de unas generaciones y el inicio del camino de otras. Ambos momentos, muerte y nacimiento, están atados en un misterioso nudo de vida ante el cual, en cambio, tememos y huimos en la vida. El corto es una llamada al amor entre las generaciones, a mirar cara a cara al final de la vida, a cuidar de nuestros mayores.
Ficha técnica: Año: 2005 Cortometraje de animación 2D / 2D animated short film Dirección / Direction: Santiago 'Bou' Grasso Idea: Santiago 'Bou' Grasso Animación / Animation: Santiago 'Bou' Grasso Productora / Production company: Opusbou
La discográfica Discos Cetáceos nos ha enviado material. La presentación de hoy se trata del EP 'Naturamaleza' de en Pijamas, proyecto personal del músico Cristian Pineda y en donde podrán oír composiciones registradas esporádicamente entre los años 2010 y 2012 en Santiago y Concepción, lo pueden encontrar en el perfil de SOUNDCLOUD y BANDCAMP.
Lo que suena al darle play a 'Naturamaleza' es una música a la que cuesta encontrarle referentes directos e intentar catalogarlo bajo algún estilo en particular es prácticamente imposible. Las canciones están escritas con total libertad, pero al mismo tiempo construidas y pensadas minuciosamente, en algún punto entre el azar y las matemáticas.
Los espacios utilizados para el registro de este álbum fueron principalmente las piezas en las que vivió Cristian, lo que queda queda en evidencia al escucharlo ya que se puede percibir cierto sentimiento lo - fi en sus canciones, aparte el echo de no haber sido grabadas en un estudio de grabación formal entrega una dosis extra de tiempo para experimentar y examinar diferentes recursos sonoros.
Para este 2013 la discográfica tendrán preparados varios lanzamientos, los que irán anunciando a medida pasan los meses...
En muchísimas
ocasiones uno puede encontrarse con críticas que utilizan lugares comunes o
frases hechas en forma de pregunta para esquivar el bulto de definir tal o cual
cosa, de no jugársela con una opinión más acabada sobre alguna obra o autor;
como ejemplos pueden usarse estos: “¿es o
se hace?”, “¿es un genio o un estúpido?” o la máxima de la tibieza:“o se lo ama o se lo odia”.
Lo curioso es
que en el caso de Harmony Korine estas son las primeras preguntas que aparecen al
ver sus películas (recuerden la anteúltima y la más extrema de su filmografía, Trash Humpers de 2009, algo así como “cojedores
de basura”). Es imposible no pensar que lo que se está viendo es una estupidez
absoluta, pero (siempre hay un pero) sucede que las idioteces que Harmony Korine
filma guardan algunos sentidos ocultos bajo esa superficie tan difusa y
reluciente.
Apenas pasados
los créditos de Spring Breakers
(letras fluorescentes sobre fondo negro), se puede ver a un grupo de jóvenes
bailando y festejando frenéticamente al ritmo del dubstep enfermo de Skrillex.
Están semidesnudos y beben y se vuelcan cervezas sobre sus cuerpos perfectos y
deseables. Se frotan y se tocan descaradamente. Y lo que en un principio
pudiera haber sido una imagen excitante empieza a tornarse pesadillesco. De
vuelta, ¿son estúpidos o qué?
Harmony Korine
(HK de aquí en más), en este momento, se para inteligentemente en una zona
gris, evitando juzgar, dejando que el espectadorse enfrente a las imágenes y a
sus propios preconceptos y prejuicios. Pero esto es solamente durante el prólogo;
Spring Breakers tal vez sea su
película más moralista desde Kids
(Larry Clark, 1995). A pesar de la cantidad de excesos que aparecen en
pantalla, todo es visto desde cierta distancia o con una mirada acusatoria.
Brevemente: las spring breaks serían el equivalente a
nuestras vacaciones de invierno, con la diferencia que en Estados Unidos hace
calor y que los estudiantes universitarios que viven solos y lejos de sus casas
van a la playa a reventarse, literalmente, con drogas, alcohol y sexo. Pueden
ver Wild On en E! Entertainment para ver de qué se trata, muchos cuerpos jóvenes
desnudos y mucho griterío onomatopéyico: “¡whoooooooo!”
“¡yeaaah!” (no pude evitar escribirlo y reírme de lo imbécil que es).
En Spring Breakers cuatro bellas jóvenes
deciden pasar su receso estudiantil en la playa pero no cuentan con dinero, por
lo tanto, deciden robar el auto de un profesor y asaltar un restaurante. Con
ese dinero van al ansiado paraíso de la tentación (acerca de la tentación habla
un personaje que es algo así como un predicador musculoso y teñido de rubio) y
son arrestadas e incriminadas por posesión de narcóticos. Entra en escena Alien
(James Franco), rapero y dealer blanco, que les paga la fianza y las pone bajo
su “protección” (me acabo de dar cuenta que estoy usando muchas comillas, pero
no me queda otro recurso: la película entera parece ser un entrecomillado). A
partir de aquí seremos testigos de un raid delictivo y un descenso a los
infiernos, llegando a niveles demenciales, pero con una fuerte dosis de
moralina.
HK declaró
recientemente que su intención era entrar en el mainstream hollywoodense y
corromperlo desde adentro, para ello recurrió a imágenes “shockeantes”, tales
como Vanessa Hudgens (¡High School Musical!)
aspirando cocaína, Selena Gomez (¡novia de Justin Timberlake!) fumando
marihuana o James Franco (¡Spiderman!
¡Oz, el todopoderoso!) con dientes
metalizados escupiendo rimas incongruentes.
También, al ser
una producción millonaria, contó con la participación de Benoît Debie, director de fotografía de Gaspar Noé en Irreversible (2002) y Enter the Void (2009), películas
emparentadas con esta por sus colores y encuadres toxicomaníacos o seudopsicodélicos
(la secuencia final está muy lograda desde lo visual). Y también de Douglas
Crise, editor de Traffic (Steven
Soderbergh, 2000) y 21 Gramos
(Alejandro González Iñarritú, 2003), de ahí la narración y el montaje fracturado
o atravesado por flashbacks y flashforwards.
Nuevamente,
fuera de estos detalles (acertados y divertidos en su mayoría, por cierto), la
película es de una pacatería absoluta, pero coherente con el resto de la obra
de HK; por momentos recuerda a lo peor del cine de Terrence Malick, esto es, voz
en off reflexiva, encuadres bellos, ralentis,
epifanías imbéciles. Spring Breakers
no llega a despegar del todo, insinúa, propone, choca, pero no termina de
estrellarse o de ser todo lo políticamente incorrecta como se había presentado
al comienzo del film. En Gummo
(1997), HK cuenta lo que quedó de una pequeña comunidad muy pobre white trash tras el paso de un huracán.
El fenómeno climático no solo dejó daños materiales, sino que también dejó
expuestas todas las miserias del americano promedio, pobre y estúpido.Aquí no
hay señalamientos de ningún tipo, solo una mirada entre tierna, perdida y
desconsolada hacia sus personajes. En Trash Humpers,
la estupidez alcanza cotas perturbadoras, mezclando a Jack Ass (MTV) con David Lynch.En cambio, en Spring Breakers el artificio está a la vista y la mirada del
director presente en todo momento, marcando lo malo, lo sórdido y lo patético.
Jerry Seinfeld
dijo alguna vez que hacer de estúpido es un arte sofisticado (en referencia al
gran Jerry Lewis y su constante representación de personajes tontos), pero HK
no entendió bien este axioma o parece querer practicar la estupidez desde
adentro y afuera a la vez, jugando a ser idiota y señalando qué es lo idiota
desde la visión de un artista independiente y respetado. La eterna pregunta:
ser o no ser. O, en este caso: ¿es o se hace?
Ficha técnica
SPRING BREAKERS: Viviendo al
limite
Spring Breakers, 2013, 93’, USA,
Muse Productions / O’ Salvation / Division Films / Iconoclast / Radar Pictures
Dirección: HarmonyKorine
Guión: HarmonyKorine
Producción: Jordan Gertner, Chris Hanley, Susan Kirr, David Zander
Fotografía:Benoît Debie
Montaje:Douglas
Crise
Arte:Almitra Corey
Música: Cliff
Martínez, Skrillex
Reparto: Selena
Gomez, Vanessa Hudgens, Ashley Benson, Rachel Korine, James Franco, Gucci Mane
Revista digital sobre música, literatura y cine. Consta de más de 10 secciones como 'Música indie', 'Recomendado del viernes', 'Literatura', 'Cine', 'Teatro' y 'Artista indie de la semana'. Han pasado diferentes artistas de Chile, Argentina, Colombia,Ecuador, México, Venezuela, Perú, España y Uruguay. El sitio está en permanente contacto con espacios aliados como CartelIndie (Colombia), Movimiento Ruido (Argentina), Discos perfectos (Argentina), La tertulia de los cuervos (México), Irrelephant (España), Indielogía (España) e HispanoRock (Venezuela).
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Creada por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López, El Eternauta es una historieta argentina de ciencia ficción que fue publicada inicialmente en Hora Cero Semanal de 1957 a 1959. La historia comienza con un guionista de historietas: el propio Oesterheld, quien en un ejercicio de metaficción se utiliza a sí mismo como personaje. Su participación en la historia consiste en escuchar el relato de las vivencias de Juan Salvo, el «Eternauta», un hombre que se materializa en su casa sin previo aviso. Este personaje, además de relatar una serie de eventos, expresa sus propias impresiones y análisis de los sucesos que van teniendo lugar en la historieta. Personalmente, una de las cosas que más me fascina es el hecho de que el autor cite constántemente puntos de la ciudad de Bs As que, en mi caso, suelo recorrer en mi rutina diaria. Es así que todas las referencias a calles o lugares de la ciudad son verídicas. Por ej: La primera batalla tiene lugar en la Avenida General Paz; la base de operaciones de la resistencia toma lugar en el Estadio Monumental Antonio Vespucio Liberti (River Plate); las Barrancas de Belgrano; La Plaza del Congreso; La Plaza Italia; La Avenida Santa Fe; Avenida Cabildo; Avenida Las Heras; la estación de subte Plaza Italia; entre otros. Sin más, espero que logre captar vuestro interés en esta historieta que hoy es parte del recomendado del viernes. Para finalizar, les dejo el trailer de una miniserie que relata la vida del autor, Oesterheld...
